Uma exposição com esculturas e desenhos de Ângelo de Sousa vai ocupar o interior e espaços circundantes do Teatro da Politécnica, a nova casa do grupo de teatro Artistas Unidos, que se inaugura em Lisboa a 19 de outubro.
Na exposição, que será também uma homenagem dos Artistas Unidos ao artista falecido em março deste ano, estarão nove esculturas criadas em 2006 e oito desenhos datados de 2007, indicou à agência Lusa fonte da Quadrado Azul, galeria que representa Ângelo de Sousa.
As esculturas vão ocupar o espaço circundante do Teatro da Politécnica, e algumas estarão à luz do dia, nomeadamente as criadas em inox, umas colocadas no chão e outras suspensas.
Os Artistas Unidos estavam há nove anos sem um espaço próprio, após terem sido obrigados a abandonar A Capital, no Bairro Alto. A companhia trabalhou depois, a título provisório, no Teatro Taborda, até 2005, e no antigo Convento das Mónicas.
O edifício do Teatro da Politécnica, junto ao Jardim Botânico, integrou o antigo complexo da Faculdade de Ciências da Universidade de Lisboa e tem origem na Escola Politécnica criada pelo Liberalismo, na década de 1830.
A escola foi criada com base nas instalações do antigo Colégio dos Nobres, fundado no século XVIII durante o "consulado" do Marquês do Pombal, para a formação dos jovens aristocratas portugueses, nas instalações do antigo noviciado jesuíta da Cotovia.
Também funcionou ali a associação de estudantes da Faculdade de Ciências e o artista Nikias Skapinakis expôs pela primeira vez naquele espaço.
A exposição dedicada a Ângelo de Sousa será a primeira de uma programação de mostras, seminários e leituras encenadas, que os Artistas Unidos vão realizar paralelamente à apresentação de peças de teatro.
Jorge Silva Melo, fundador, diretor e encenador dos Artistas Unidos, pretende com esta mostra prestar uma homenagem ao artista, sobre quem realizou o documentário "Ângelo de Sousa - Tudo o que sou capaz", cuja criação resulta de uma série de encontros e entrevistas com o pintor e escultor.
Nascido em Moçambique, em 1938, Ângelo de Sousa viveu depois no Porto, onde estudou pintura, na Escola Superior de Belas-Artes, e foi depois professor.
Na pintura foi influenciado pelo movimento expressionista, a gravura oriental, as artes exóticas e primitivas, a pop art, artistas como Mondrian, Klee e Kandinsky, mas manteve-se sempre afastado das discussões sobre figuração e abstração.
Ilustrou livros de poetas e romancistas portugueses como Eugénio de Andrade, Maria Alzira Seixo, Mário Cláudio e Fiama Hasse Pais Brandão.
A obra de Ângelo de Sousa está representada em coleções particulares e nos principais museus de arte contemporânea do país, como a Fundação de Serralves, Museu Berardo, Fundação Calouste Gulbenkian e o Museu Nacional de Arte Contemporânea - Museu do Chiado.
O autor do painel de azulejos “Ribeira Negra” morreu esta quarta-feira, em Gondomar. Tinha 93 anos. Personalidades das artes e da política já lamentaram publicamente a morte de Júlio Resende. O artista plástico tem obra representada em seis museus nacionais e sete estrangeiros e a sua mais recente exposição está patente até 09 de outubro, em Gondomar.
"A pintura sempre se envolve no objetivo final de servir a causa dos espaços públicos, sentido esse que a enobrece", declarava o artista portuense na apresentação da última exposição, intitulada “A intuição atenta à razão”.
A mostra é composta por 33 estudos para a execução do painel cerâmico criado para a estação de Sete Rios do Metropolitano de Lisboa e reflete a sua perspetiva quanto à arte pública. A exposição pode ser visitada até 9 de outubro, na Galeria do Acervo da Fundação Lugar do Desenho, em Gondomar.
Ainda para de Júlio Resende, a pintura não se limita à "decoração" de um dado espaço, mas a dotá-lo de um "sentido próprio e inconfundível".
“Um passado muito forte”
Sobre a mostra “In Media Res”, inaugurada em abril, na Galeria Baganha, no Porto, Júlio Resende dizia tratar-se de “uma exposição única em Portugal” porque "recolhe as memórias do passado e dá-lhes uma nova apresentação".
Prestes a completar 94 anos, a 23 de outubro, Júlio Resende acreditava que "o tempo vai dizendo coisas": "Quando um artista vê uma coisa, ela penetra em si. Podem passar os tempos, mas aquilo que acontece é que a evocação se torna mais eloquente, mais forte do que propriamente o momento em que a viu". "O que conta é a impressão, aquilo que nos magoou de certa maneira, porque não há prazer que não magoe", concluiu.
"Às vezes pergunto: tu achas que valeu a pena? Essas dúvidas também doem muito. Não sei se valeu a pena. O futuro o dirá, talvez. Mas eu não tenho nada a ver com o futuro. Tenho um passado muito forte. O futuro é indiferente", resumiu.
Desenho como “expressão de um consciente que o particulariza”
As suas obras, repletas de malhas triangulares ou quadrangulares, revelavam uma vocação expressionista, com gosto pelo cubismo. Com trabalhos figurativos e abstratos, o pintor estudou e ensinou na Escola Superior de Belas Artes do Porto.
O responsável pela ilustração da obra “Retalhos da Vida de um Médico”, de Fernando Namora, considera que o desenho é a “expressão de um consciente que o particulariza", conforme se lê no sítio da Internet da Fundação Júlio Resende. "Que o Desenho seja entendido no seu mais amplo sentido. Não apenas restrito às Artes-Plásticas mas a todas atitudes criativas do Homem. Não é monopólio de qualquer época nem de qualquer sociedade”, acrescenta.
O Prémio Sousa Cardozo e o prémio nacional de pintura da Academia de Belas Artes destacam-se entre as muitas distinções atribuídas a Júlio Resende.
Onde visitar as obras de Júlio Resende:
Mais de dois mil desenhos e uma exposição permanente estão reunidos na Fundação Júlio Resende, O Lugar do Desenho, em Gondomar, que estará encerrado nos próximos três dias.
Outros trabalhos do artista plástico podem ser contemplados no Museu Soares dos Reis (Porto), Museu Amadeo Souza-Cardoso (Amarante), Museu Regional de Évora, Museu de Ovar, Museu de Arte Contemporânea (Lisboa) e Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian.
Tem obras patentes no Museu de Arte Moderna de S. Paulo (Brasil), Museu Marítimo de Macau, Kunstforening Museum de Aslesund (Noruega) e Museu de Helsínquia (Finlândia).
Também integra a coleção da sede da UNESCO (Paris), a Biblioteca Real Alberto I (Bruxelas), e o Municipal Print Room (Antuérpia).
Serralves vai promover a partir de Outubro e até Fevereiro do próximo ano um conjunto de cursos, workshops e ateliers que abordam as áreas da Arquitectura, geografia, cinema, fotografia, ilustração, restauro, escrita criativa e leitura.
A organização destaca «Os Livros e a Arquitectura Moderna e Contemporânea», curso orientado pelo arquitecto André Tavares que pretende percorrer episódios significativos da cultura arquitectónica ocidental através do seu confronto com a história do livro de arquitectura.
Este curso terá cinco sessões, sempre às terças-feiras, de 4 de Outubro a 8 de Novembro, segundo a Fundação.
O crítico de cinema João Lopes será o orientador do curso «Nova Vaga - Memória e Heranças», que decorre de 6 de Outubro a 15 Dezembro, sempre às quintas-feiras.
Já o escritor Mário Cláudio será o responsável pelo «Clube de Leitores – Violência e Paixão», tema que recupera o título de um filme de Luchino Visconti.
Este clube colocará os participantes em diálogo com um conjunto de obras literárias, representativo dessas duas vertentes do comportamento humano. O clube reúne-se às quartas-feiras, de 23 de Novembro a 8 de Fevereiro.
O «Workshop de Escrita Criativa» será conduzido pelo escritor Richard Zimler. Serão quatro sessões às quintas-feiras, de 8 a 29 de Novembro, em que os participantes serão incentivados a desenvolver a sua imaginação e encontrar a confiança para começar – ou continuar – um romance.
Não foge aos meios clássicos da representação, nem da tradição dos meios técnicos. Os vivos (modelos) da artista Alexa Meade, fazem parte integrante da pintura. deste modo, a pintura deixa de o ser em 2D e ganha outra dimensão – o estado das coisas tridimensionais…
Interessante. Ao invés, da maioria artística que tenta aniquilar o clássico e a tradicional língua pitorica, esta artísta tenta perdurar o costume da pintura num outro estado de representação.
E a essência da arte mantêm-se: será pintura? escultura? perfomance?…
O trabalho perpetuo e intemporal não é a original pintura numa moldura, mas em arquivo fotográfico, o documento oficial que prova a existência da obra de arte.
O ideal da pintura neoclássica, foi a seleção da beleza natural, depurada de toda imperfeição. A pintura do período neoclássico opunha-se às características valorizadas pelo Barroco, vistas então, como exageros estéticos. A volta aos antigos valores clássicos gregos, bem como a pintura renascentista italiana, serviram de inspiração à pintura neoclássica. Foi pautada nos principios defendidos por Anton Raphael Mengs, para quem a pintura era uma arte liberal, que deveria basear-se em regras e métodos seguros, sendo recomendado o conhecimento histórico do tema retratado.
A busca pelos valores renascentistas levou à uma aproximação da pintura neoclássica, com as técnicas que marcaram os trabalhos de Rafael, quanto à composição, expressão e vestuário; a pintura de Correggio, nos contrastes de claro-escuro e a obra de Ticiano, na escolha das cores e na busca de uma aparência de realidade da cena retratada. Os temas religiosos, embora ainda presentes, já não foram os mais retratados na pintura neoclássica, em que os temas da antiguidade clássica greco-romana, eram os mais comuns.
O estilo neoclássico aplicado aos trabalhos escultóricos, refletem o interesse da época - segunda metade do século XVIII - pelos valores estéticos do mundo clássico. As composições escultóricas, norteadas por esse princípio, buscava as linhas puras, em oposição às sinuosidades, torções e espirais que caracterizam as esculturas barrocas. A escutura neoclássica buscava alcançar a pureza das formas, pela nitidez dos seus contornos, para atingir um estilo sóbrio e equilibrado, comunicando solidez e simplicidade.
Um nome destacou-se na arte de esculpir, nesse período - Antonio Canova, artista italiano, que em sua produção religiosa, imortalizou-se pela criação de belíssimos mausoléus, verdadeiros monumentos mortuários, artísticamente esculpidos em mármore branco, o material prefgerido na época. Como exemplos, podem ser citados: Monumento a Clemente XIV, obra esculpida entre 1783 e 1787 em Roma; Monumento funerário da Duquesa Cristina, datado de 1805, também em Roma e o Monumento a Clemente XIII, datado de 1792, na Basílica de São Pedro, em Roma.
Da mesma forma como na vida pessoal,
Cruzeiro Seixas seguiu na arte o que lhe apareceu de melhor, e até hoje nada
superou o Surrealismo. Aos 90 anos conclui: "Estamos todos desesperados à
procura de uma ideia nova".
"Falta qualquer coisa no mundo" disse o artista plástico e poeta durante uma
entrevista à agência Lusa no Estoril, onde reside há dois anos, num lar. Deixou
de desenhar e pintar, mas continua a receber muitos convites para expor a vasta
obra.
A próxima mostra antológica - com 49 obras de pintura, desenho e escultura -
abre a 17 de setembro, em Lamego, organizada no âmbito da terceira edição do
Plast&Cine, onde decorrerá uma conferência internacional dedicada ao artista
considerado um dos expoentes do Surrealismo em Portugal.
No amplo quarto de Artur Cruzeiro Seixas, com uma varanda virada para o mar,
estão as recordações de uma vida: as paredes cobertas com desenhos e pinturas
surrealistas.
Há vários "cadavre exquis", os emblemáticos desenhos surrealistas criados em
conjunto por diversos artistas. Um continuava o traço do anterior nunca sabendo
o que lá estava, e o resultado era "um cadáver esquisito".
Fotografias pessoais, arte africana - viveu 14 anos em Angola e nessa altura
viajou muito pelas ex-colónias - e muitas dezenas livros sobre Surrealismo,
movimento artístico surgido no início do século XX e que viria a revolucionar a
arte. Até hoje, nada apareceu de melhor, considera o
artista.
Woody Allen com Carla Bruni, uma das protagonistas do filme "Meia Noite em Paris"
Meia-Noite em Paris, a obra nº 41 de Woody Allen é um filme-abóbora ao contrário. Ao soar a última badalada, a alpergata torna-se sapato de cristal e talentosos os mortais a cada esquina.
(veja o trailer em HD no final da reportagem)
A realidade é muito maçadora, mas é o único sítio onde se pode comer um bom bife. Da vastíssima gama de frases inspiradas que Woody Allen produziu no último meio século, talvez esta seja a mais justa para colocar em epígrafe do seu último filme, Meia-Noite em Paris (estreia-se hoje, quinta, dia 15), a nova incursão de um dos maiores criadores cinematográficos do século XX na geografia - e nos orçamentos - europeus.
Desta vez, temos Owen Wilson como personagem padrão, o escritor cheio de inquietudes intelectuais, que se auto-desprestigia enquanto guionista de sucesso de Hollywood, porque o que ele quer mesmo é escrever um livro (onde é que nós já vimos isto antes? Nos filmes de Woody Allen, claro). E que tem um desencanto existencialista quanto ao sentido da vida (idem). E um desinteresse desapiedado pelas pequenezas do quotidiano (idem). E que se sente deveras enfadado pela mediocridade, pela banalidade e frivolidade dos seus contemporâneos (idem). E que acaba por se apaixonar por uma mulher (Marion Cotillard) vagamente misteriosa e neurótica, muito tchecoviana, que ainda não encontrou o seu talento oculto (idem).
Faz parte dos espíritos desassossegados dos génios, criarem galáxias e depois circularem em torno das suas órbitras, recorrências, revisitações, genealogias e obsessões. Quando o filme abriu, em Maio, o festival de Cannes, apressaram-se a estabelecer pontos de contactos com o realismo mágico, que tantas Allen abordou, nomeadamente em Rosa Púrpura do Cairo, as pessoas atravessam calmamente as fronteiras para outra dimensão. Em Rosa Púrpura... passavam do celulóide para a vida real, e vice-versa, Em Meia Noite... a coisa torna-se igualmente filosófica, e um bocadinho einsteiniana, já que as personagens viajam no tempo. E fazem-nos porque sim. Este realizador não é de perder tempo com explicações tecnológicas, máquinas ou outros engenhos rebuscados - não fosse a magia outra recorrência "meteorítica" que está sempre a abrir crateras no Planeta Allen.
Portanto, continuando nesta lógica de fabricar constelações pelos mais de quarenta filmes que produziu nos 45 anos de carreira, fazemos uma paragem numa estrelinha que se impõe: um pequeno gag celebrizado em Annie Hall (1997). Aquele em que o filósofo canadiano Marshal McLuhan faz um cameo de si próprio e é chamado por Allen para explicar a uma personagem pedante, professor de Media, na Universidade de Columbia, que se exprime sonoramente, na fila do cinema, e derrama imbecilidades sobre Fellini, Beckett e McLuhan. E vem de lá o filósofo "him-self" explicar-lhe "você não percebe nada das minhas teorias. Nem percebo como pode dar aulas de comunicação.
E Woddy Allen para todos nós: "Meus amigos, se a vida real fosse assim...". É o sonho de qualquer um, confrontar um pateta enfatuado com a autoridade inquestionável. E é isto no fundo, que acontece ao escritor. Pode desmentir o professor britânico enervante que deixa deslumbrada a noiva (do presente), com as suas conferências na Sorbonne, e a sua douta sapiência sobre as amantes de Rodim, os nenúfares de Monet e os vinhos franceses. É que ele, sim, privou com a nata da intelectualidade mundial na noite anterior. E aqui somos tentados a abrir outro link para um dos Sonhos de Kurosawa (1990), Corvos, quando um estudante de artes, durante uma visita a uma museu, se descobre dentro dos quadros de Van Gogh, e tenta encontrá-lo, já sem a orelha, no Campo de Trigo com Corvos.
Onde comer o melhor bife?
Apaixonado por Paris, sobretudo quando chove (em contraste com a ensolarada Califórnia), este escritor sofre de um encantamento por um tempo que não é o seu. A sua utopia é o passado. Os loucos anos 20 e 30, os surrealistas, as vanguardas modernistas, quando aquela cidade tinha uma alta densidade de gente cerebralmente estimulante. E uma bela noite (aqui é a parte de conto de fadas do filme) soam as 12 badaladas e ele é transportado num Peugeot vintage, onde o casal o Fitzerald (Scott e Zelda) o levam a uma festa de Jean Cocteau, onde Cole Porter toca ao piano Let's Do It, Let's Fall in Love, não por acaso. O tema faz parte do musical da Broadway Paris, de 1928.
Depois é um fartar vilagem de celebridades. Cruza-se com Ernest Hemingway (Corey Stoll) que lhe fala de caçadas e de andar à pancada, senta-se à mesa de um Salvador Dali (Adrien Brody) fascinado por rinocerontes, sugere a Luís Buñuel o tema do seu Anjo Exterminador, um grupo de pessoas que não conseguem sair de um banquete, e deixa o realizador cheio de perplexidades: "Não percebo porque é que ele não hão-de abrir a porta e ir-se embora?". A presença de um escritor da era da internet entre eles, é que não parece surpreender ninguém - afinal de contas, estamos entre surrealistas.
Nestas andanças pelo meio desta colecção de ícones que ainda não sabem que o são - porque, convenhamos, não é fácil ser contemporâneo da própria posteriadade - o escritor vai ter a casa da madrinha da "geração de perdida", Gertrud Stein (Kathy Bates), que se oferece para lhe ler o romance. Conhece um Picasso com mau humor, e a sua amante (Cotillard), ex de Modiglianni e de Georges Braques, que sonha estudar alta costura (com Coco Chanel, claro). Só que esta musa de artistas também padece desta nostalgia de exaltar o passado e desqualificar o presente, portanto o que ela mais desejava era ter vivido em Paris nos tempos da Bélle Époque, no dealbar do século. E mais uma viagem no tempo, encontram-se entre as Folies Bérgeres, entabulam conversa com Toulouse Lautrec, Degas e Gaugin, que estão, também eles, muito desapontados com aquela contemporaneidade, dizem-lhes que aquela é uma "geração vazia e sem significado". O que eles queriam era ter nascido na Renascença.
A crítica e o público francês ficaram muito agradados por Paris ser olhada por Woody Allen como a mais credenciada capital para receber tamanhos vultos da cultura, local de inspiração artística. Ao contrário de Inglaterra (que foi mais utilizada pelo realizador para palco de crimes) ou Barcelona que lhe evocou, antes, triângulos e quadrados amorosos escaldantes. Ainda por cima, fez comparecer Carla Bruni (a sra Sakozy) para um papel rudimentar de guia turística do Museu Rodin - porque, ironizou o realizador - "sempre podia facilitar nas autorizações de estacionamentos".
No fundo é mais um filme de Woody Allen, admiravelmente escrito, filmado e musicado, com o seu leitmotiv de sempre: a intransigência contra a estupidez humana, desta vez, demonstrada de uma forma mais suave e mágica, menos cáustica e virolenta. Mais nostálgica, em suma. Faz parte do seu espírito interrogativo, o desejo de colocar-se em contacto com estes altos vultos da intelectualidade como deuses de um Olímpo. Mesmo que seja só para concluir que o presente é maçador, pois é, e dantes é que era, pode ser, mas não havia epidural, nem vacina contra a poliomelite, as pessoas morriam de sífilis e de turbeculose. E o passado é bom para se ir, porventura comer um bom bife, e voltar.
E felizmente, Woody Allen andará por aqui, para assegurar menos tédio nos nossos tempos presentes.
São livros empilhados uns em cima dos outros, formando esculturas pintadas pela mão de Mike Stilkey. O artista norte-americano utiliza as capas e a parte lateral dos livros como se fossem telas. Aí, com várias tintas e lápis de cor, desenha e pinta os seus personagens.
Desde cedo Mike Stilkey mostrou interesse e vocação pelo meio artístico. Nascido em 1975 em Los Angeles, na Califórnia, começou por pegar em páginas normais, depois em páginas de livros e fazer delas o seu instrumento-base para desenhar e pintar. E quanto mais antigas fossem, melhor. Isto porque Mike não gosta de fundos totalmente brancos, como as telas.
Há seis anos publicou um livro chamado “100 retratos”, que mostrava 100 imagens feitas em livros antigos. O sucesso foi grande e Mike começou a trabalhar nesta ideia. Para além das pinturas que já tinha realizado, decidiu fazer outras, mas com vários exemplares. O objectivo era empilhá-los numa parede, dando-lhes um aspecto de esculturas, e pintar as imagens nas lombadas. E assim fez.
Utilizando misturas de tintas, lápis de cor e algum verniz, o artista transportou para os livros toda a sua criatividade. Os seus retratos espelham um mundo de cor e fantasia, cheios de personagens misteriosos e também melancólicos. Ao olhar mais de perto, sugerem-nos um profundo momento de introspecção. Angústia? Talvez saudade? Ou até quem sabe, conformismo?
Mike Stilkey refere que as suas pinturas são influenciadas por vários estilos: “adoro ilustração figurativa, expressionismo alemão e surrealismo”. Quantos aos protagonistas, tanto animais como pessoas são apenas situações recorrentes do dia-a-dia: representam qualquer um, mas não identificam ninguém em particular. Por exemplo, em “Enemy in the House “ – Inimigo na casa, (um dos seus trabalhos), um homem tenta afastar o seu gato de uma cadeira. Esta cena não é mais do que um retrato de uma actividade doméstica comum.
O artista procura misturar o quotidiano com um toque de humor e uma dose de tristeza e melancolia. Essa é a sua marca. Algumas das suas esculturas ultrapassam a utilização de quatro mil livros para o efeito final, e há quem o acuse de estar a destrui-los. “Então eu explico que só uso livros estragados ou muito velhos, dando-lhes uma nova vida numa obra de arte”.
Exposição no Museu do Cinema de Berlim revela ao grande público como os storyboards contribuíram para a concepção visual de filmes de diretores como Alfred Hitchcock e Steven Spielberg.
O teórico e critico italiano Ricciotto Canudo foi o primeiro a chamar o cinema de "a sétima arte" em seu manifesto escrito em 1911. A popular forma de arte e entretenimento é uma junção de som, movimento, cor, volume, representação e palavra, ou seja música, dança, pintura, escultura, teatro e literatura.
Quando assistimos a um filme, todo esse processo parece simples e quase natural, como se os mínimos detalhes, gestos, movimentos, cores e cortes não fossem pensados. Parte essencial dessa concepção são os storyboards, uma sequência de ilustrações ou imagens que ajudam a pré-visualizar um filme.
A exposição Entre Cinema e Arte. Storyboards de Hitchcock a Spielberg reúne pela primeira vez em Berlim mais de 80 anos de história do cinema através dessa ferramenta. Dos mais elaborados aos mais simples, esses storyboards nos mostram através de outra perspectiva como filmes são concebidos e executados.
Os primeiros storyboards surgiram na década de 1920, mas quem desenvolveu essa técnica da forma como a conhecemos hoje foram os estúdios Walt Disney no começo da década seguinte. O primeiro filme a ter um storyboard completo foi Os três porquinhos, em 1933.
No final dessa década, todos os estúdios usavam a ferramenta. Similar a uma história em quadrinhos, os storyboards representam a ação que acontece diante das câmeras, assim como os movimentos da mesma, em uma série de imagens.
Um dos primeiros filmes de ficção que foram totalmente concebidos com storyboards foi E o Vento Levou, de 1939. O clássico hollywoodiano também faz parte da mostra. O poderoso produtor David O. Selznick queria o storyboard completo do filme antes da filmagem. Para ele, essa era a única maneira de planejar o visual do filme e alcançar a dramaticidade necessária para contar a história. Só para a sequência do incêndio em Atlanta foram criadas mais de 60 pinturas feitas com aquarela.
A técnica da concepção dos storyboards é diferente de filme para filme. Em alguns casos como no filme Taxi Driver o próprio diretor Martin Scorsese fez os desenhos de maneira simples e direta, pensando mais claramente nos movimentos de câmera e na ordem das cenas.
Já os desenhos feitos para o filme alemão Homens sem lei, de 1929, revelam o lado sombrio da trama. Por outro lado, o visual e o clima onírico do musical Sapatinhos vermelhos, de 1948, é retratado em um storyboard com diferentes técnicas e cheio de cores. O diretor de arte Hein Heckroth chegou até mesmo a animar algumas sequências para convencer os diretores sobre o visual da cena de balé.
Arte e efeitos especiais
Outra função dos storyboards é ajudar atores e equipe a entenderem como será o resultado final do filme depois da pós-produção e efeitos especiais. Alfred Hitchcock desenvolveu com Harold Michelson o storyboard de Os Pássaros. A qualidade artística se uniu ao método de planejamento de filmagem de Hitchcock e o resultado foi mais do que perfeito.
Outro diretor que utiliza o recurso para aprimorar e dar mais realismo às cenas com efeitos especiais é Steven Spielberg. Dois de seus filmes fazem parte da exposição com imagens bem diferentes. O storyboard de Inteligência artificial foi concebido enquanto o diretor do filme ainda era Stanley Kubrick. Nas imagens vemos grandes cenários que não chegaram à versão final do filme. Já os impressionantes desenhos de Os cavaleiros da arca perdida revelam assustadores fantasmas que, antes de ganhar vida nas telas, ganharam vida no contraste entre o fundo preto e as cores fluorescentes.
Além do storyboard e de cenas de 21 clássicos do cinema a mostra ainda conta com 26 obras de diversos artistas, como os norte-americanos Paul McCarthy e Andy Warhol, que se relacionam com os filmes e as ilustrações.
Dos mais artísticos aos mais rudimentares, esses storyboards ajudam-nos a entender como gênios do cinema transformam, através de desenhos, palavras em imagens.
A exposição Entre cinema e arte. Storyboards de Hitchcock a Spielberg poderá ser visitada no Museu do Cinema em Berlim até 27 de novembro.
Richard Hamilton cunhou o estilo que se viria a tornar
num movimento artístico (Marco Maurício)
Morreu nesta terça-feira, ao início da manhã, o britânico Richard Hamilton, considerado por muitos como o pai da “pop art”, anunciou o seu galerista Larry Gagosian, responsável da The Gagosian Gallery, sem adiantar as causas da morte. O artista tinha 89 anos.
“O mundo da arte perdeu uma das suas principais figuras”, escreveu em comunicado o galerista, explicando que a influência de Hamilton nos jovens artistas era “imensurável”.
Apesar da sua idade, Richard Hamilton continuava activo e estava agora a preparar uma grande retrospectiva itinerante da sua obra, que passaria por Los Angeles, Filadélfia, Londres e Madrid entre 2013 e 2014.
Richard Hamilton alcançou notoriedade na década de 1950 com a obra “Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?”, uma colagem de um casal nu, fisicamente idealizados, onde ele segura um chupa vermelho que diz pop, numa casa onde a referência a vários produtos é marcante.
Talvez por isso, este trabalho foi destacado por muitos historiadores de arte como o arranque do movimento artístico da pop art. O próprio termo “pop art” é atribuído a Hamilton, quando este escreveu num texto de 1957: “A ‘pop art’ é popular, transitória, dispensável, low cost, produzida em massa, jovem, sexy, glamorosa e um grande negócio”. Assim designava o movimento que acabou por ser mais reconhecido através de nomes como Andy Warhol ou Roy Lichtenstein.
Da fotografia à pintura, da colagem à escultura, passando pelas mais modernas tecnologias, Richard Hamilton explorou e experimentou as mais diversas áreas.
“A minha ambição sempre foi ser multi-alusivo. Eu queria ter a vida toda no meu trabalho”, disse ele uma vez, aqui citado pelo “The Telegraph”. Nunca teve medo de provocar e por isso alguns dos seus trabalhos não escondiam as suas posições políticas. Em 2007, durante a intervenção militar britânica na guerra do Iraque, Hamilton imprimiu um retrato de Tony Blair, vestido como cowboy.
Também representou Mick Jagger numa obra e foi responsável pela capa do álbum “White Album”, dos Beatles.
“Nós temos os nossos ícones nacionais e as nossas celebridades pop. Mas nem Francis Bacon nem Lucian Freud ou Damien Hirst moldaram tanto a arte moderna da forma que Hamilton fez quando pôs um chupa com a palavra Pop na mão de um homem musculado”, escreve o crítico de arte do The Guardian, Jonathan Jones, no obituário do artista.
Para Nicholas Serota, director da Tate Gallery, Hamilton foi sempre muito admirado pelos seus pares, “incluindo Andy Warhol e Joseph Beuys. “Ele morreu como terá desejado”, disse à BBC. O próprio artista, numa entrevista à BBC no ano passado, garantiu estar orgulhoso do seu percurso. “Fiz exactamente o que sempre quis faz e sempre tive muita sorte a fazer isso.”
Tony Bennett acaba de divulgar um vídeo de uma entrevista recente a Amy Winehouse, sobre o dueto que gravaram juntos para o seu álbum "Duets II". No vídeo, Amy aparece a cantar com Bennett e fala também sobre o tema, "Body and Soul".
Amy contou, divertida, como é que conheceu Tony Bennett:
«A primeira vez que conheci o 'Tone' foi... posso chamar-lhe 'Tone'? Obrigada. A primeira vez que conheci o 'Tone' - não era melhor perguntares-lhe primeiro? A sério. Antes de começarmos... ok. A primeira vez que conheci o 'Tone' fui com o meu pai, a minha madrasta e o meu namorado ve-lo ao Royal Albert Hall. E fomos nas duas noites.»
A cantora mostrou também a sua boa disposição quando falou da reacção do pai, Mitch Winehouse, à música escolhida para dueto:
«Quando o meu pai soube que eu e o 'Tone' iamos cantar a música “Body and Soul”, o meu pai disse 'Oh! É só a minha preferida de sempre, oh meu Deus! Sabes sequer qual é??' e eu disse 'Claro que sei Mitchell. Sou tua filha. Claro que conheço a música.»
Obras de artistas como Rodin e Miró ficaram também debaixo dos escombros das
Torres Gémeas.
Um número significativo de obras de arte, desde pintura, fotografia e escultura,
perdeu-se para sempre com o colapso do World Trade Center, em resultado dos
atentados do 11 de Setembro, em Nova Iorque, faz domingo dez anos. A morte de
quase 3 mil pessoas foi a maior tragédia desse dia, além da destruição dos dois
edifícios no coração da cidade norte-americana.
No interior das
instalações onde funcionavam gabinetes de grandes empresas também se perderam
para sempre valiosas obras de arte, porque algumas delas possuíam importantes
acervos.
Entre os tesouros artísticos que desapareceram estavam uma
coleção de esculturas do conceituado artista francês Auguste Rodin (1840-1917),
uma tapeçaria de grandes dimensões do espanhol Juan Miró (1893-1983) e outras
obras de grandes figuras da arte americana do século XX como o escultor
Alexander Calder, o pintor Roy Lichtenstein e a fotógrafa Cindy Sherman. Algumas
estimativas apontam para perdas em obras de arte no valor de 100 milhões de
dólares (cerca de 73 milhões de euros).
A coleção de esculturas de Rodin
(considerada o maior acervo particular existente no mundo) pertencia à empresa
de serviços financeiros Cantor Fitzgerald, instalada no 105.º andar de uma das
torres. Perdeu uma dezena de esculturas, e outras, algumas em pedaços, foram
encontradas no rescaldo da tragédia.
Outras empresas que tiveram
prejuízos em obras de arte foram a Goldman Sachs e a Morgan Stanley, ambas com
tradição de mecenato nos Estados Unidos, na área da Cultura.
A empresa
Citygroup perdeu, ao todo, 1 113 obras de arte, de acordo com um relatório
elaborado por Suzanne Lemakis, vice-presidente e curadora de arte da companhia.
Na coleção estavam incluídas pinturas de artistas como Carl Schrag, Louis
Bouche, John Heilker, William Thon, Robert Henri, Alex Katz, Bryan Hunt, Wolf
Kahn, Jim Dine, Jacob Lawrence e Edward Curtis.
No relatório, a curadora
escreveu que se havia uma lição a tirar desta tragédia em relação às obras de
arte era: mantê-las bem guardadas e criar uma base de dados com os respetivos
registos que seja habitualmente atualizada para criar um recurso em caso de
roubo ou incêndio.
Ainda hoje não há certezas sobre a verdadeira dimensão
de obras de arte e documentos históricos que desapareceram para sempre devido
aos atentados. Entre os registos, contam-se cartas e 40 mil negativos de
fotografias do ex-presidente americano John F. Kennedy.
Priscila Fernandes venceu a 9ª edição do prestigiado prémio (foto:Nuno Ferreira Santos)
Priscila Fernandes é a vencedora da 9ª edição do Prémio EDP Novos Artistas, que distingue artistas em início de carreira com propostas criativas originais e inovadoras.
O vencedor foi dado hoje a conhecer numa cerimónia que aconteceu no Museu da Electricidade, em Lisboa, e que contou com a presença do secretário de Estado da Cultura, Francisco José Viegas.
Priscila Fernandes foi escolhida pelo júri composto pelo curador e crítico de arte Alexandre Melo, o artista João Pedro Croft, curador da 29.ª Bienal de São Paulo (Brasil), Moacir dos Anjos, Lynne Cooke, subdiretora e curadora chefe do Museu Rainha Sofia (Espanha) e José Manuel dos Santos, que presidiu, em representação da Fundação EDP.
No valor de 10.500 euros, o prémio deverá agora ser aplicado pelo artista vencedor no prosseguimento ou aprofundamento dos seus estudos ou na concretização de um projecto artístico específico.
A jovem artista, a viver actualmente em Roterdão, é licenciada em Pintura no National College of Art and Design, em Dublin, e fez o mestrado em Belas-Artes no Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy da Universidade de Roterdão. O seu trabalho procura explorar os protocolos de verdade inerentes à transmissão do conhecimento. Através da criação de ambientes primários perturbadores, explora e manipula as convenções estabelecidas, os sistemas e as regras inerentes a uma visualidade pedagógica.
Numa entrevista ao PÚBLICO em Junho, Priscila Fernandes explicou que o prémio EDP Novos Artistas representava um regresso a casa. “Visto que nos últimos anos tenho estudado e trabalhado mais "lá fora" (especialmente nos Países Baixos e Irlanda).”
O júri destacou ainda o trabalho de André Trindade, a quem dirigiu uma menção honrosa.
Esta 9ª edição do prémio contou com 408 candidaturas, tendo sido seleccionados nove artistas (Ana Manso, André Trindade, Carla Filipe, Catarina Botelho, Catarina Dias, João Serra, Nuno da Luz, Priscila Fernandes e Vasco Barata), por um júri constituído pelos críticos e curadores Delfim Sardo, Nuno Crespo e João Pinharanda.
Priscila Fernandes (Coimbra, 1981) concorreu com propostas no campo da instalação, pintura e vídeo, Ana Manso (Lisboa, 1984) concorreu com um trabalho centrado na pintura, André Trindade (Lisboa, 1981), recorreu à escultura, instalação e vídeo, Carla Filipe (Aveiro, 1973) usa fotografia, instalação e pintura, Catarina Botelho (Lisboa, 1981) a fotografia, Catarina Dias (Londres, 1979), centra a obra no desenho, performance e pintura, João Serra (Lisboa, 1976), na fotografia, Nuno da Luz (Lisboa, 1984), recorre à instalação e vídeo, Vasco Barata (Lisboa, 1974), com desenho, fotografia e instalação.
Os finalistas receberam uma verba de 2500 euros para produzir peças originais para a exposição colectiva do prémio que está patente desde 1 de Julho no Museu da Electricidade, e onde se vão manter até 18 de Setembro.
Criado em 2000, o prémio já foi entregue a Joana Vasconcelos (2000), Leonor Antunes (2001), Vasco Araújo (2002), Carlos Bunga (2003), Pedro Paiva e João Maria Gusmão (2004), João Leonardo (2005), André Romão (2007) e Gabriel Abrantes (2009).
Santuário de Fátima | Vitral da autoria de Júlio Resende
Fátima, 07 set 2011 (Ecclesia) - O Santuário de Fátima associa-se a uma iniciativa do Secretariado Nacional para os Bens Culturais da Igreja que tem como objetivo publicar no suplemento P2 do «jornal Público» 100 peças desse tesouro que deve ser valorizado.
A Secção de Arte e Património do Santuário associa-se a esta iniciativa, “dando a conhecer alguns dos tesouros do Santuário de Fátima, quer do espólio do seu Museu, quer das criações artísticas que se encontram nos diferentes lugares de culto” – realça um comunicado enviado à Agência ECCLESIA.
Presidiram à seleção das obras critérios como os de “mostrar uma variedade de disciplinas artísticas (pintura, escultura, vitral, cerâmica, ourivesaria), de evidenciar a ação mecenática do Santuário de Fátima no sentido de ter chamado autores de renome a colaborarem na sua construção, de notar a diversidade cronológica do seu acervo e, ainda, de divulgar peças menos conhecidas” – salienta.
Entre os «Tesouros da Arte Sacra Nacional», figurarão a Coroa Preciosa de Nossa Senhora de Fátima (Casa Leitão e Irmão, Antigos Joalheiros da Corôa, 1942); a Custódia neomanuelina da Quinta da Regaleira (Luiggi Manini, 1911); o Ostensório da Capela do Lausperene (Zulmiro de Carvalho, 1986); a tela intitulada “Aparição do Anjo” (João de Sousa Araújo, 1966); a pintura “Os Cavaleiros do Apocalipse” (Emília Nadal, 1992), o Vitral do Bom Pastor (Júlio Resende, 1987); os Vitrais da Capela de São José (Eduardo Nery, 1992); a escultura de Nossa Senhora de Fátima (António Teixeira Lopes, 1931); a escultura intitulada “Mestre da Beleza tão antiga e tão nova” (Irene Vilar, 2004); um Cristo indo-português (autor desconhecido, século XVII); a Cruz Alta (Robert Schad, 2007) e o painel sobre a Visão da Jerusalém Celeste (Marko Ivan Rupnik, 2007).
A Igreja de Saint-Louis, em Marselha, guarda as únicas obras religiosas de
Victor Vasarely, como O Cristo (AFP, Boris Horvat)
A justiça francesa confirmou, nesta terça-feira, o neto do pintor e escultor
Victor Vasarely, criador da Op Art, como único titular do Direito Moral ao
conjunto da obra do artista, pondo um ponto final, assim, a uma questão que
divide a família há mais de 20 anos.
Junto com o Patrimonial, o Moral faz parte dos direitos Autorais, sendo
considerado inalienável e irrenunciável.
Um tribunal de Aix-en-Provence, no sul da França, já havia reconhecido esta
prerrogativa a Pierre Vasarely, em novembro de 2009, ordenando à madrasta do
pintor, Michèle Taburno-Vasarely, repassar a ele os arquivos do artista.
Nesta terça-feira, o julgamento da apelação "confirmou a decisão anterior",
com a madrasta sendo condenada a pagar 30.000 euros a título de custas
processuais.
O novo episódio "coloca um fim às múltiplas ações judiciais da Sra Michèle
Taburno, viúva em segundas núpcias de Jean-Pierre Vasarely, meu pai, que, sem
nenhum direito, administrou durante inúmeros anos a obra de Victor Vasarely,
despojando, também, a Fundação de mesmo nome", felicitou-se Pierre Vasarely num
comunicado.
A Fundação Vasarely foi criada pelo pintor em 1971, em Aix-en-Provence, à
qual decidiu doar parte significativa de suas obras.
Segundo o neto, os "trabalhos maiores" do artista, morto em 1997, em Paris,
são "guardados ilegalmente" desde 2004 em Chicago onde reside a Sra Taburno.
Os dois filhos falecidos de Vasarely, André e Jean-Pierre, entraram uma vez
com uma queixa sobre a gestão da Fundação Vasarely.
A família obteve, em 1995, o direito de recuperar o essencial das obras da
Fundação, Mas a maior parte desapareceu, entre elas 1.300 trabalhos originais e
mais de 18.000 serigrafias. Apenas 42 obras monumentais subsistem no prédio.
Victor Vasarely, nascido Vásárhelyi Gyozo, foi um pintor e escultor húngaro
radicado na França, considerado o "pai da Op Art" (abreviatura de Optical Art),
autor de trabalhos essencialmente geométricos, policromáticos,
multidimensionais, totalmente abstratos e intimamente ligados às ciências.
Estudou arte em Budapeste, onde se familiarizou com o movimento Bauhaus e com
os trabalhos de Paul Klee, Kandinsky e Josef Albers. Em sua obra, tentou resumir
os princípios dos pioneiros da Bauhaus, com destaque para o movimento, que não
dependeria da obra de arte em si mesma, nem do tema específico que se pretende
ver retratado; mas da apreensão do ato de olhar.
Criou, assim, uma nova relação entre artista e espectador, desenvolvendo os
elementos de um estilo e técnica que permanecerá para sempre ligado ao seu
nome.
Em 1930 trabalhou, em Paris, como designer gráfico, optando, depois de um
período de expressão figurativa, por uma arte construtivista e geométrica
abstrata. O fascínio por padrões lineares levou-o a criar diversos motivos,
através da utilização de grelhas lineares bicolores (pretas e brancas) com
deformações ondulantes.
A introdução da cor em seus trabalhos permitiu ainda um maior dinamismo.
Seus quadros combinam variações de círculos, quadrados e triângulos, às vezes
com gradações de cores puras, criando imagens abstratas e ondulantes.
As cores para misturar e combinar na paleta, o cabo do pincel mordiscado enquanto o olhar do pintor saltita entre o objecto real, palpável, tridimensional, à sua frente, e a tela vazia onde ele vai ser representado, fixado para sempre a duas dimensões. É com esta imagem clássica e estereotipada do artista que Alexa Meade rompe.
A norte-americana de 25 anos, que já expôs em Nova Iorque, Baltimore, Washington, Berlim e Londres e cujo projecto Living Paintings tem sido amplamente divulgado na internet, não usa telas – mas as suas obras parecem quadros a óleo: Meade pincela directamente sobre os objectos e os modelos que pretende retratar, criando a ilusão de pinturas vivas.
Com tinta acrílica e misturas de tintas não-tóxicas (usa 13 ingredientes. que não revela), Alexa Meade pinta sobre a pele e as roupas dos seus modelos, tecendo uma segunda pele, até lhes retirar a sua tridimensionalidade e fazer parecer que saíram de um quadro. «Essencialmente, a minha arte imita a vida – em cima da vida», explica à Juxtapoz Magazine. «Um simples retrato de cabeça e ombros pode demorar umas duas horas, enquanto um retrato de corpo inteiro, num cenário pintado, leva mais tempo». O desafio é completar a obra num dia – «não posso mandar o modelo para casa, coberto de tinta, e dizer ‘até amanhã!’».
O seu trabalho consiste numa fusão de pintura, performance, instalação e fotografia – que é como quem diz que essas pessoas pintadas podem mover-se, interagir com o público, posar num cenário real também pintado para o momento da fotografia. E tudo, claro, no espaço de um dia.
Perante estas ilusões de óptica que andam e falam, como reage quem vê? «Os meus quadros vivos transformam as pessoas em objectos de arte. Não é comum que a arte-final consiga devolver o olhar do observador. Muita gente fica especada a mirar, mas só alguns corajosos se atrevem a fazer contacto visual», relata à revista Wired. Porque é nos olhos dos seus modelos – a única parte que não pode ser pintada – que subsiste uma réstia de humanidade. Tudo o resto é pintura.
Da política para as artes
Alexa estudou Ciência Política na Universidade de Vassar, enquanto, para não perder a mão para as artes, tinha aulas de escultura. A viver no centro político da América, Washington DC, estagiou três Verões consecutivos no Congresso e, em 2008, foi assistente no gabinete de imprensa da campanha eleitoral do futuro Presidente, Barack Obama, em Denver.
Com o canudo garantido, esperava-a um emprego arranjado pelo pai, mas Alexa preferiu trocar o certo pelo incerto. Infiltrou-se no mundo das artes, começando a estagiar numa galeria no Verão de 2009 e a travar conhecimento com vários artistas. E a experimentar ela própria, guiada pelo seu fascínio com o jogo de sombras e luz. Da política e da comunicação, trouxe o conceito que tem aplicado e projectado no seu trabalho artístico: «Ver não é necessariamente crer».
(E-D) Sarah Gadon, Keira Knightley, Viggo Mortensen, David Cronenberg,
Michael Fassbender e Vincent Cassel em Veneza (AFP, Alberto Pizzoli)
O confronto entre os pais da psicanálise, Carl Jung e Sigmund Freud, a partir da
turbulenta relação sexual com a paciente e analista russa Sabina Spielrein, tema
do filme "Um método perigoso", do canadense David Cronenberg, fez das mulheres a
grandes protagonistas nesta sexta-feira do Festival de Veneza.
Com o charmoso Viggo Mortensen no papel de Freud, o filme de Cronenberg se
inspira em fatos realmente ocorridos e, em particular, na atormentada relação
entre o dr. Jung e a bela Sabina Spielrein, interpretada pela atriz Keira
Knightley.
A histórica rivalidade entre os dois psiquiatras, por uma questão de método
entre o mentor Freud e seu pupilo Jung, é descrita através de um complexo tecido
de teorias analíticas e corpos, pensamentos e palavras submetido às convenções
da época, o início do século XX.
"Aderir ao projeto de Cronenberg foi um compromisso notável do ponto de vista
psicológico e emotivo. Foi uma viagem antes de tudo interior, diferente do filme
que acabo de rodar com o brasileiro Walter Salles", declarou Mortensen, ao
comparar sua recente experiência em "Pé na estrada" ("On the road"), baseado no
livro de Jack Kerouak.
O filme, que compete em Veneza pelo Leão de Ouro, dividiu a crítica
cinematográfica, pela maneira como aborda a ruptura entre os dois grandes
intelectuais, devido em parte à controvertida relação sexual e afetiva que Jung
estabelece com sua paciente, quebrando todo princípio ético.
Rodada entre a fronteira suíço-alemã e a Áustria, o filme tende a explorar
mais a mentalidade masculina dos psicanalistas, pioneiros em seu campo, e que
usavam a revolucionária "Terapia das palavras" para curar as enfermidades
mentais.
"'Fico excitada quando me pagam, gosto das humilhações", confessa Sabina a
seu jovem psiquiatra Jung (o ator Michael Fassbender, de "Jane Eyre"), que se
converterá em seu amante e se prestará a seus jogos masoquistas, descritos como
cenas eróticas pudicas.
Escrito pelo roteirista Oscar Christopher Hampton, vencedor em 1988 de um
Oscar por sua adaptação de "Ligações perigosas", o filme se aprofunda pouco na
poderosa figura de Sabina, historicamente pouco conhecida, que foi fuzilada na
Rússia pelos nazistas e cujas instituições clínicas proporcionaram as bases para
as teorias de Freud.
"Sabina deu uma contribuição importante à Teoria Psicanalítica, o que não se
sabia até que descobriram suas cartas para Freud e Jung", comentou
Cronenberg.
Igualmente pudicas são as cenas da atriz italiana Monica Bellucci nua no
francês "Um verão quente", de Philippe Garrel, outro filme apresentado nesta
sexta em competição, sobre as contradições de um casal formado por uma bela
senhora de idade e seu jovem companheiro, 19 anos mais jovem, que acaba
cometendo suicídio.
No próximo mês de setembro, a embarcação cultural vai abrigar o projeto Cinema no Balanço das Águas, idealizado pelo Museu Coleção Karandash de Arte Popular e Contemporânea, e selecionado no Programa BNB de Cultura, edição 2011 no Brasil.
Durante seis dias, experientes arte-educadores estarão nos municípios alagoanos de Pão de Açúcar e Piranhas para realizar oficinas de fotografia, vídeo e imagens (desenho, pintura e escultura).
As primeiras atividades acontecem nos dias 09, 10 e 11 de setembro, no povoado da Ilha do Ferro (Pão de Açúcar). Em seguida, dias 12, 13 e 14, a comitiva artística se instala no povoado de Entremontes (Piranhas). As oficinas acontecem das 8h30 às 11h; e das 14h às 17h.
A expansão das ações para a pintura, desenho e escultura foi possível graças às parcerias com o Sebrae, Sesc e das prefeituras das duas cidades contempladas pelo projeto.
Artistas de AL, PE e SP
Para garantir a qualidade das oficinas, o projeto Cinema no Balanço das Águas convocou um time de experientes artistas e educadores. Na área da fotografia estão Juarez Cavalcanti e Dominique Berthé, que vem de Recife para trocar experiências com os moradores do sertão alagoano.
Pedro Octávio Brandão e sua equipe ficam responsáveis pelas aulas de vídeo; enquanto o grafiteiro paulista Zezão ensina sua arte urbana a comunidade ribeirinha de Piranhas e Pão de Açúcar. A supervisão das oficinas é assinada pela artista Maria Amélia.
O resultado de tantas experiências se transformará numa exposição itinerante no barco-museu Santa Maria. A abertura está marcada para o dia 10 de dezembro, 10h, na cidade de Piranhas.
Logo depois, de 11 a 16, a embarcação percorre as águas do rio São Francisco, no trecho de Piranhas a Pão de Açúcar, com paradas tanto nas comunidades ribeirinhas de Alagoas, quanto no lado do estado de Sergipe.
“Quantos olhares profundos não serão revelados, paisagens, rostos, hábitos. Certamente teremos processos e resultados inesquecíveis”, diz Maria Amélia. “Despertaremos na população a necessidade de observar e registrar suas experiências e suas vidas”.
De acordo com ela, os moradores interessados irão participar de oficinas de noções e técnicas básicas da linguagem audiovisual, como uso da câmera, enquadramento, movimentos, planos, iluminação e som. Em cada etapa, explica, serão realizados exercícios práticos para que cada aluno produza imagens únicas.
“Este projeto será o início de muitas outras ações tendo o audiovisual como linguagem. Temos como objetivo a continuidade dessas oficinas como os próprios alunos produzindo os vídeos e usando-os como ferramenta de expressão e comunicação”, ressalta a artista.
Um enorme labirinto em material branco translúcido, criado pelo artista brasileiro Carlito Carvalhosa para alterar as referências espaciais dos visitantes, é inaugurada quarta-feira no MoMA (Museu de Arte Moderna), em Nova Iorque.
«Sum of Days» é o título desta obra do pintor e escultor brasileiro, que apresenta o seu trabalho pela primeira vez no museu norte-americano, onde ficará em exibição até 14 de novembro deste ano.
Dentro da instalação decorrerão também performances de músicos e compositores como Philip Glass, Lisa Bielawa e David Crowell, de acordo com a informação no sítio online do museu de Nova Iorque, um dos palcos de arte contemporânea mais importantes do mundo, onde a peça é apresentada como uma grande instalação ambiental e interativa.
Museu de Arte Sacra de Grândola, em Portugal abre as portas ao público, a 23 de Agosto, pelas 20h, na igreja de São Sebastião, para apresentar a sua colecção permanente, formada por fundos de pintura, escultura e artes decorativas.
Esta iniciativa, da responsabilidade do Departamento do Património Histórico e Artístico da Diocese de Beja, da Câmara Municipal e da Paróquia de Grândola, integra cerca de uma centena de obras de arte, oriundas de igrejas da sede do concelho, das freguesias de Azinheira dos Barros e de Santa Margarida da Serra e da Irmandade da Santa Casa da Misericórdia.
Grândola possui um extenso e variado património religioso, ainda escassamente divulgado, que é merecedor de visita atenta. A povoação começou por denominar-se Bendada e após a “Reconquista” cristã (inícios do século XIII) fez parte do concelho de Alcácer do Sal, sendo entregue pelos primeiros reis de Portugal, como sucedeu com boa parte do Baixo Alentejo, à Ordem militar de Santiago da Espada. O facto de se situar numa encruzilhada de caminhos e estar rodeada de terras férteis deu-lhe grande importância nos finais da Idade Média.
Vanguarda do ideário republicano no Sul, Grândola viria a perder, nos anos que se seguiram a 1910, parte da sua herança religiosa. O espólio que sobreviveu à voragem, porém, é muito significativo, como o demonstra o acervo patente no Museu de Arte Sacra. Através dele podem reconstituir-se alguns dos mais interessantes aspectos do quotidiano religioso, desde a organização pastoral das paróquias até ao esplendor do culto litúrgico e ao florescimento das devoções.
A época contemporânea também não foi descurada: uma peça fundamental é o retábulo de “São Jorge e o Ladrão”, pintado em 1961 por José Escada para a igreja da mina de Lousal. A ermida de São Sebastião foi construída, nos primórdios do século XVI, por iniciativa do povo de Grândola, num arrabalde da vila, junto à estrada real, para proteger a comunidade da peste.
Em tempos de epidemia, serviu como posto de controlo dos viandantes. Prestou igualmente apoio aos peregrinos que por aqui passavam em direcção a Santiago de Compostela. Monumento de carácter vernáculo, de linhas simples e austeras, ao gosto popular, tornou-se uma importante referência do imaginário e da toponímia locais. Com o crescimento da terra, após a passagem do caminho-de-ferro (1916), passou a fazer parte do circuito urbano.
Ideia do francês Hervé Poulain, o conceito dos "BMW art cars" surgiu quando o piloto, amante fervoroso de carros de corrida, pediu ao renomado artista Alexander Calder para que pintasse de forma única o carro com o qual correria as 24 Horas de Le Mans - um BMW 3.0 CSL, em 1975.
Resultado: o veículo brilhou nas pistas, enchendo os olhos dos fãs do esporte.
Entusiasmada com a atenção recebida pela criação, a BMW decidiu dar início uma coleção de carros com a colaboração de artistas plásticos conhecidos.
Com o passar dos anos, os carros da marca passaram pelas mãos de gigantes das artes como Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Frank Stella e Olafur-Eliasson, brilhando em museus e exposições de todos os continentes, incluindo o Louvre (Paris), Royal Academy (Londres) e o Whitney Museum of Modern Art (Nova York).
Agora, próximo da data em que a divisão cultural do Grupo BMW completa 40 anos, a companhia reuniu todos os lendários carros em um museu virtual.
Luiz Calainho, Brenda Osorio e Elisangela Valadares:
idealizadores do
ArtRio
Entre as atrações está espaço com curadoria de Julieta Gonzalez, da Tate Modern, de Londres, com produções de artistas nacionais e estrangeiros.
Não só uma grande feira de negócios com foco em artes plásticas, não só uma
megaexposição de trabalhos de nomes renomados do cenário internacional. Mas um
evento que pretende se firmar como o maior do setor de artes no Brasil, mantendo
uma programação de diversas ações em toda a cidade.
A Feira Internacional de Arte Contemporânea do Rio de Janeiro (ArtRio)
acontece de 8 a 11 de setembro, ocupando dois pavilhões do Píer Mauá, centro da
cidade, com a presença de cerca de oitenta galerias – sendo metade delas
estrangeira. São esperadas para esta primeira edição mais de 20 mil visitantes,
entre eles colecionadores, marchands, jornalistas e apreciadores que poderão
adquirir diversos formatos de arte moderna e contemporânea, entre pinturas,
esculturas, instalações, fotografias e vídeos.
Visitas guiadas, espaço dedicado a publicações de arte, palestras e debates
também fazem parte da programação do evento. Os organizadores esperam que este
seja também “um importante estímulo para a formação de novos artistas e
colecionadores”.
Intercâmbio cultural
Os empresários Alexandre Accioly e Luiz Calainho se associaram às
idealizadoras do evento, a artista plástica Brenda Valansi Osorio e a jornalista
Elisangela Valadares, para a realização do projeto, que prevê intervenções
urbanas, visitas guiadas, oficinas e a construção de um portal online permanente
de arte contemporânea. “Queremos inserir o Rio de Janeiro no mercado de arte
internacional e desenvolver um intercâmbio cultural. As pessoas terão a
oportunidade de conferir obras de Picasso, Volpi, John Baldessari, Lygia Clark,
Helio Oiticica, Waltercio Caldas, Carlos Vergara e outros artistas consagrados”,
afirma Elisangela.
Em um dos armazéns ficarão as galerias contemporâneas e no outro as mais
modernas. Segundo dados da organização do evento, haverá ainda um espaço voltado
para a projeção de vídeos de arte, com curadoria de Alberto Saraiva, além de
palestras e oficina para crianças administrada por Daniel Azulay.
Renomados espaços internacionais, como Tristian Koenig (da Austrália), Mario
Sequeira (de Portugal), Crone (da Alemanha), Bendana-Pinel (da França) e Magnan
Metz (dos Estados Unidos) já confirmaram presença. Entre as galerias brasileiras
participarão A Gentil Carioca, Silvia Cintra + Box 4, Anita Schwartz, entre
outras.
SERVIÇO: De 8 a 11 de setembro Píer Mauá
(Armazéns 2 e 3) – Av Rodrigues Alves, 10. Centro, RJ Das 12h às
20h Ingressos: R$ 30 (inteira) Tel. (21) 3140-0171
São 128 obras de artistas portugueses que revelam como estes recriaram o Fado no domínio das artes plásticas. A exposição «Ecos do Fado na Arte Portuguesa XIX-XXI» pode ser visitada até 17 de Setembro, em Lisboa. Está patente no Páteo da Galé, em plena Praça do Comércio e enquadra-se na candidatura do Fado a Património Cultural Imaterial da Humanidade.
Dedicada à presença do Fado nas Artes Plásticas, a exposição é promovida pela Câmara Municipal de Lisboa através da EGEAC/Museu do Fado. “O Fado também influenciou outras artes” e da pintura à gravura, passando pelo desenho e pela escultura, esta exposição “mostra o enraizamento do fado no território e que sempre foi objecto de fascínio dos artistas”, disse à Lusa, Sara Pereira, directora do Museu do Fado e comissária da exposição.
As 128 obras de artistas portugueses que compõe a exposição, dão a conhecer várias formas de representação do Fado na arte nacional nos séculos XIX-XX. Estão reunidos no Páteo da Galé trabalhos que testemunham a recriação do tema por artistas como Roque Gameiro, Columbano Bordalo Pinheiro, José Malhoa, Almada Negreiros, Amadeo Souza Cardoso, Stuart Carvalhais, João Abel Manta, Carlos Botelho, Miguel Palma, Júlio Pomar, Paula Rego, Graça Morais, Joana Vasconcelos, entre outros.
“Um olhar atento sobre as artes plásticas nacionais que representaram o tema, atesta, inevitavelmente, o profundo enraizamento do Fado à escala regional e nacional, bem como a transversalidade da sua representação, como objecto de inesgotável citação e recriação pictórica pelas sucessivas gerações de artistas plásticos nacionais”, referem os organizadores.
Ecos do Fado na Arte Portuguesa XIX-XX Sala do Risco, Pátio da Galé Praça do Comércio 8 de Julho a 17 de Setembro Diariamente, das 10 às 19h00 Entrada Livre
"A XV
Viagem Medieval em Terra de Santa Maria realizou-se de 28 de Julho a 7 de
Agosto, no centro histórico de Santa Maria da Feira. Os acontecimentos e as
personagens que mais contribuíram para a afirmação do poder régio e soberano de
D. Afonso Henriques e para a concretização da independência de Portugal foram o
mote para onze dias de recriações e animação.
Após a aclamação
de D. Afonso Henriques em Ourique pelos seus companheiros d’armas, El-Rei
decide aplicar novas estratégias militares na conquista do território aos
sarracenos e dá início a um novo processo de negociações políticas,
diplomáticas e até matrimoniais, tendo como objectivo afirmar o seu poder
soberano, impor a independência do reino de Portugal a outros reinos hispânicos
e, principalmente, ser reconhecido pela Sé Apostólica, através da concessão do
privilégio de Portugal se tornar um reino pertencente a São Pedro.
Para beneficiar
desta honra, D. Afonso Henriques promove homenagem ao Papa e paga o censo anual
à Santa Sé. No entanto, o reconhecimento oficial só é conseguido e concretizado
em 1179, quando é publicada a bula Manifestus Probatum est pelo Papa Alexandre
III, que concede o título de Rei a D. Afonso Henriques e aos seus descendentes,
promete defender a sua dignidade e reconhece a independência de Portugal.
Os actos, os
factos e as personagens principais que ajudaram à afirmação do poder régio e
soberano de D. Afonso Henriques e à concretização da independência de Portugal,
reconhecidos por todo o mundo cristão, são o mote para a recriação histórica de
mais uma edição da Viagem Medieval em Terra de Santa Maria"
2016
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sempre pleno de esperanças. Espera-se o ano novo para começar vida nova,
para esta...
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