Por que não visitamos galerias de arte?

Prestem atenção ao assunto e, aliás, façam uma enquete junto aos familiares e amigos, sobre quem e quando costuma visitar uma galeria de arte da sua cidade. Faça, também, essa pergunta a você mesmo e verá que, salvo exceção, faz tempo que frequentou alguma exposição de pintura, escultura, alguma instalação e até museus e bibliotecas. Na verdade, uma pequena parcela de nós adquiriu o hábito de prestigiar esses eventos culturais, essas opções de entretenimento. O curioso é que, na maioria das vezes, esses espaços estão abertos ao público gratuitamente, constam das agendas culturais de todos os jornais de grande circulação de nossas cidades, estão bem localizadas e confortáveis, em fim, bem mais perto de nós do que muitas vezes percebemos.

Alguns fatores parecem ser determinantes dessa circunstância: a falta de uma adequada orientação, ainda na escola, de forma a aproximar o aluno desses espaços que, além de serem ótimos ambientes para pesquisa e aprendizado, estabelecem uma dinâmica lúdica e rica em signos e informações culturais. Outro fator é a dependência de uma prévia valorização do evento pelos canais de mídia de prestígio. Ou seja, visitamos aquilo que a mídia joga luz em cima, como se cultura fosse um mero objeto de moda passageira. Aqui, perdemos a oportunidade até de construir um olhar mais crítico que propicie uma melhor compreensão daquilo que a mídia nos mostra no dia a dia. Mas, há uma coisa que temos receio de reconhecer como fator de desestímulo ao programa cultural: o medo do desconhecido.

 Essa dificuldade da qual qualquer ser humano padece ganha corpo à medida que não recebemos adequada orientação sobre do que realmente trata cada um desses espaços. Parecem lugares proibidos, onde circulam pessoas que falam uma língua diferente da nossa, vestindo roupas pouco convencionais, tratando assuntos, digamos, “papo cabeça” demais e que, ao menor vacilo, estaremos à beira da humilhação, do mico, de uma quase vergonha por não sabermos nada ou muito pouco sobre o conteúdo da mostra, do evento. Relaxem. Quando muito, o artista ou curador – brincadeira minha – da exposição domina o tema em absoluto e, ainda assim, necessita da presença, impressão e expressão de um simples ou cativo olhar seu para sua obra.

Bem, que são lugares muito diferentes, isso são. Não temos nem como comparar um lugar desses com a praia, o estádio de futebol, o cinema, as casas de shows e mesmo o teatro – percebem quão diversos são esses ambientes? E tem mais que ser assim. A riqueza cultural decorrente da visita a uma exposição de pintura – por exemplo – está muito apoiada na opção de um olhar diferente, provocado, estimulado, de um encontro entre o artista e seu público, a crítica, especialmente quando nos conduz a outra dimensão intelectual e espiritual. O objeto artístico seja ele um quadro, escultura, uma música, o livro que está sendo lançado, o acervo de museus e bibliotecas, a magia de cores e movimentos cênicos do filme, da peça de teatro ou espetáculo de dança que, por alguns instantes nos desestabilizam e provocam, mas na verdade, dependem da nossa presença, do nosso olhar para cumprirem sua função estética. O mesmo se dá, também, quanto aos projetos de proteção ambiental que tanto nos aproximam da natureza e massageiam nossos corações.

Por outro lado, o sistema de vida ao qual estamos atrelados, que induz ao consumo do fastfood, dos descartáveis, pegue-leve, do tudo pronto e enlatado, parecido com a TV do dia a dia, deixa-nos inibidos diante de algumas necessidades. Vejam que, quando vamos ao jogo de futebol ou show musical, naturalmente, antes, buscamos informações sobre escalação de times, árbitros, histórico de resultados, assim como, das principais músicas, figurino e críticas recentes ao artista que queremos assistir. Então, o ideal é que busquemos nos inteirar de parte do conteúdo da exposição de arte, da biografia do artista e sua trajetória, do contexto de sua obra ou daquela parte dela, agora, aguardando por você. Verá que poderá usufruir muito mais da experiência, dialogará noutro nível e, com o tempo, terá o olhar exercitado e ávido por esse tipo de diversão. Sim, porque, a experiência cultural sempre diverte.

Então, fica o convite para saiam da frente da TV por alguns instantes e usufruam de infinitas opções culturais, com diversas linguagens visuais, sonoras e espaciais, algumas próprias da nossa cultura, outras, de estrangeiros que tanto nos ajudam a compreender melhor o mundo e a nós mesmos. Sozinho ou em grupo, de mãos dadas com uma boa companhia, com os filhos, às vezes com o próprio artista que expõe. Depois, um lanche, um drink, conhecendo o lugar, a comunidade, tão perto de nossas casas… Fica mais fácil, assim, de encontrar ou reencontrar o amor pela arte, pela vida, por alguém…

Festival MED promoveu-se na Dinamarca

No âmbito da aposta de promoção internacional do Festival MED, a Câmara Municipal de Loulé marcou presença, entre os dias 28 de Outubro e 1 de Novembro, no WOMEX 09 - The World Music Expo, que este ano teve lugar, pela primeira vez, em Copenhaga, Dinamarca.

A participação naquele que é considerado como o mais importante certame dirigido ao mercado profissional internacional das músicas do mundo decorreu através de um stand de divulgação do evento, com uma série de informações sobre as edições anteriores do MED, os artistas que por aqui já passaram, o seu conceito e também a apresentação da imagem para 2010.

Foi uma verdadeira corrida ao espaço deste Festival, que teve uma forte adesão sobretudo por parte dos artistas, agentes, promotores, directores artísticos e imprensa dedicada à temática. Na maioria dos casos, foi manifestado o interesse numa participação no Festival que tem lugar em Junho de 2010.

Por outro lado, esta foi uma oportunidade para os organizadores do Festival MED ficarem a par das novas tendências da chamada “World Music”, já que o WOMEX constitui uma verdadeira bússola nesta vertente artística.

Esta participação foi mais um passo em frente para a consolidação do MED e integração no roteiro mundial da área, permitindo deste modo o contacto e uma troca de experiências com festivais que decorrem na Europa e noutros continentes.

Refira-se que esta feira internacional reúne profissionais do mundo da música, dos povos, das raízes da música étnica à tradicional e aos concertos, conferências e documentários. Contribui, através das redes de contactos, para a promoção da música e cultura de todos os tipos através das fronteiras.

Este ano estiveram presentes no WOMEX cerca de 250 stands e a apresentação de 40 show cases. O único nome português a subir ao palco foi o grupo Deolinda que, curiosamente, em 2008, foi uma das grandes apostas no cartaz do Festival MED.

A capital das monstruosidades

Desde que Marcel Duchamp, um ex-artista cubista, francês de nascimento que escolheu os Estados Unidos como residência, mandou um urinol para ser exposto numa galeria de Nova York e, quase em seguida, em 1915, montou uma roda de bicicleta equilibrada sobre um pequeno banco e a fez passar por obra de arte, abriu-se a Caixa de Pandora dos horrores estéticos que a partir de então invadiram o cenário das exposições de arte.

Para acentuar ainda mais o seu deboche para com o que se entendia como arte, Duchamp, um pândego, um moleque crescido, pintou um belo bigode numa imagem da Mona Lisa de Leonardo da Vinci, ícone da pintura ocidental. Como ele não foi confinado num manicômio nem encarcerado por ofensas ao patrimônio estético (interessante observar que nunca o Direito Penal preocupou-se em classificar como crime hediondo quem de propósito fabricasse a feiura!), parte da vanguarda artística ocidental tomou-o como um profeta dos novos tempos. Estabeleceu-se então um deus nos acuda.

Todavia, o que particularmente nos chama a atenção como cidadãos desta nossa capital, que mais uma vez se vê intimidada pelo flagelo de uma nova “instalação”, é a notável concentração de “esculturas” e “monumentos” absolutamente espantosos. Um pior do que o outro.

Nosso calvário começa por aquela mandada erguer pelos burgueses do bairro Moinhos de Vento para celebrar sua vitória em 1964 que se encontra no Parcão (homenagem ao marechal Castello Branco, mas que também pode referir-se ao desembarque de um extraterrestre), chegando ao hediondo “timão” situado na rótula que antecede o museu Iberê Camargo.

Aliás, o primeiro “timão”, que parecia ter esterco como matéria original da sua composição, foi destruído pelos vileiros do Morro Santa Tereza, certamente indignados em terem-no nas vizinhanças (sofriam de uma injusta punição, além da pobreza tinham que encarar diariamente o exemplo da medonhice).

Este colar sem fim de mau gosto que nos assola ainda é composto pelo “cuiódromo”, encravado na rótula da Praça da Harmonia (obra que por igual pode ser entendida como a exaltação de um superúbere de uma vaca premiada), e por um tarugo de ferro enferrujado que adentra o Rio Guaíba nas proximidades da Usina do Gasômetro e que se intitula, pasmem, Olhos Atentos.

Nem os que foram perseguidos pelo regime militar escaparam destas maldades estéticas. O “monumento” que os lembra, no Parque Marinha do Brasil, nos faz supor que eles continuarão atormentados ainda por muito tempo mais.

A gota d’água destas perversidades que acometem contra nós, pobres porto-alegrenses, foi a inauguração recente da Casa Monstro, situada na Rua dos Andradas. Pelo menos o autor, um jovem paulista, enfim alguém sincero no ramo, não a escondeu atrás de um título esotérico ou poético: é monstruosa, sim!

Trata-se da reprodução de um tumor que, inchado, é expelido pelas aberturas da construção e vem se mostrar aos olhos dos passantes, tal como se fora um abdômen de um canceroso recém aberto. Como se vê, uma maravilha!

Minha interrogação, depois de passar rapidamente os olhos sobre este vale de horrores que nos circunda, é por que Porto Alegre, cidade aprazível, moderna, povoada por gente simpática, habitada pelas mulheres mais belas do país e que abrigou artistas como Vasco Prado, Xico Stockinger e Danúbio Gonçalves, termina por excitar o pior lado de muitos que por aqui vêm expor?

Dizem-me que eles deixam estas abominações como doação (por não encontrarem compradores e não quererem arcar com o translado) e a infeliz prefeitura, constrangida, não tem como lhes dizer não.

Faço desde já um apelo ao secretário municipal da Cultura, Sergius Gonzaga, se este ano tal ameaça se repetir, mobilize-se. Levante recursos, promova uma ação entre os amigos da cidade para despachar tais coisas para qualquer outro lugar. Senão, peça socorro à ONU. Porto Alegre, aliviada, lhe será eternamente agradecida.

Professor e Historiador

VOLTAIRE SCHILLING

Coco Chanel - A Moda em Tempos de Guerra

O filme Coco antes de Chanel passa longe do ponto mais polêmico da biografia da estilista: sua colaboração com os nazistas.

A estilista francesa Gabrielle Chanel (1883-1971) é a personagem dos sonhos de qualquer diretor de cinema. Sua trajetória é recheada de sexo, heroís­mo e política. Sexo: teve entre seus diversos amantes cabeças coroadas, milionários e mandatários da política, que influenciaram decisivamente sua vida. Heroísmo: emergiu de uma infância pobre para se tornar uma revolucionária do mundo da moda, a primeira mulher a brilhar no ofício de vestir mulheres - exatamente por saber, nesse departamento, o que as mulheres realmente queriam. Política: viveu a época mais dramática do século 20, a das duas guerras mundiais, tendo uma relação perigosamente próxima - e vergonhosamente cooperativa - com os líderes nazistas.

No filme Coco antes de Chanel, que entra em cartaz no Brasil neste mês, a diretora Anne Fontaine, nascida em Luxemburgo, desperdiçou personagem tão fascinante. Ela optou por mostrar, na tela, apenas o lado heroico da estilista, ignorando a complexidade da mulher que revolucionou a moda. E deixando de lado o momento mais dramático da vida de sua protagonista, aquele que poderia conferir densidade a seu filme e fazer com que a obra ganhasse relevância: a colaboração de Chanel com o 3o Reich de Adolf Hitler. 

Gabrielle Chanel - ou Coco, "queridinha", nome que adotara quando cantava em cafés entre os anos de 1905 e 1908 - já era bastante conhecida quando, martelando as botas no famoso passo de ganso, as tropas do Führer cruzaram o Arco do Triunfo, em Paris. Os chapéus, o look masculino, as roupas confortáveis e o famoso "pretinho básico", tudo recendendo ao perfume Chanel no 5, lançado em 1922, a tinham consagrado. Mas foi durante a Segunda Guerra que seu papel chamou a atenção dos historiadores. Foi quando a já famosa estilista ligou-se, como tantos franceses, aos alemães. Tal tipo de ligação ao longo dos anos ficou conhecida como "colaboração".

Chanel passou toda a ocupação no famoso Hotel Ritz, quartel-general dos nazistas em Paris e bem pertinho de sua loja, na rue Cambon. Já havia algum tempo ela era simpática aos nazistas - um de seus ex-namorados, o cartunista Paul Iribe, era partidário de que uma estreita relação com os alemães podia ser benéfica à França. Antes da guerra, Chanel já se alinhava à direita e era descrita como alguém de ideias racistas.

No Ritz, sua companhia permanente era o alemão Hans Gunther von Dinck­lage, um misto de playboy, oficial e espião enviado à França para preparar a invasão nazista. Spatz, ou pardal - como era chamado em referência ao pássaro que está em toda a parte -, era 13 anos mais jovem do que ela. Nessa época, a estilista tentou se aproveitar do antissemitismo reinante para espoliar os sócios Pierre e Paul Wertheimer, judeus, que a ajudaram no início da carreira. Alta traição, na medida em que os Wertheimer eram seus parceiros no negócio de essências e responsáveis pelo sucesso do perfume Chanel no 5.

Coco movimentava-se nos mais altos círculos militares alemães e desempenhou um papel decisivo num dos episódios mais bizarros da Segunda Guerra, a chamada Operação Modelhut. "Modelhut", em alemão, significa "chapéu da moda", referência ao fato de Chanel ser uma estilista e confeccionar para mulheres chapéus masculinos. A ideia estapafúrdia consistia em promover uma aproximação entre o alto-comando germânico e o primeiro-ministro britânico Winston Churchill, com o objetivo de cooptar os ingleses - acredite! - para a causa nazista.

Chanel foi escolhida para a missão estapafúrdia pelo estreito contato que mantinha, de um lado, com um ex-amante, o inglês Hugh Richard Arthur Grosvenor, o duque de Westminster, que era próximo de Churchill, e, de outro, com Walter Schellenberg, chefe do serviço de espionagem e inteligência nazista e assistente direto de Heinrich Himmler, uma das figuras-chave na execução do Holocausto. Por desempenhar serviços como esse, Chanel prosperou durante a guerra. Abriu lojas em Deau­ville e Biarritz. Segundo alguns autores, o logotipo CC tem a ver com a suástica e com o conhecido SS que ornamentava as roupas negras desses conhecidos oficiais.

Os estudiosos identificam dois tipos de colaboracionismo. O primeiro, "de Estado", teria o objetivo de salvaguardar os interesses franceses, assegurando ao país uma posição confortável na Europa ocupada. O governo do marechal Philippe Pétain, sediado em Vichy - a cidade que se tornou a capital administrativa do país depois da queda de Paris -,disseminava a ideia de que a colaboração era um caminho para a liberação. Fazia isso por meio de documentários de propaganda oficial como os La France en Marche - "A França a Caminho". Esse tipo de colaboracionismo de Estado via a cooperação com os nazistas como única salvação contra a expansão do comunismo. Tal fato levou milhares de franceses a vestir o uniforme do Reich e integrar a Legião dos Voluntários Franceses contra o Bolchevismo.

Para além dessa capitulação oficial, havia também o colaboracionismo anônimo, praticado por franceses que se aproveitaram da situação com finalidades mesquinhas. Esse colaboracionismo era aquele das cartas dedurando judeus, simpatizantes esquerdistas, homossexuais ou comerciantes do mercado negro. Mas o mais impressionatnte de tudo foi mesmo a colaboração de artistas e intelectuais - justamente o circuito em que Coco Chanel se movimentava, ela que era amiga de gente como o compositor Igor Stravinsky, o pintor Pablo Picasso e o bailarino Vaslav Nijinski. As socialites parisienses animavam salões e saraus nos quais a elite da ocupação encontrava a elite da colaboração. A marquesa de Polignac e a milionária Florence Gould recebiam escritores como Robert Brasillach, Louis-Ferdinand Céline ou Jean Cocteau.

A situação tinha, claro, suas complexidades - foi graças a tais jantares que Jean Paulhan, escritor, editor e pintor, foi avisado de que seria preso; o teatrólogo Sacha Guitry interveio em favor do poeta Max Jacob; e impediu-se que a mulher do pintor Henri Matisse, Amélie Parayre, fosse para um campo de concentração. Havia quem fizesse jogo duplo, como o artista Pablo Picasso, que, de um lado, escondeu fugitivos e emprestou-lhes dinheiro, mas, de outro, visitava e recebia oficiais da Gestapo.

Com a derrota dos nazistas, os que aderiram aos alemães foram punidos não apenas judicialmente, mas com execração. Ao fim da guerra, 6.091 mulheres foram presas, tiveram a cabeça raspada e, desnudas, foram exibidas em praça pública. As Câmaras Cívicas, instauradas em agosto de 1944, reprovaram sobretudo as que, usando um termo machista da época, tinham tido "colaboração sexual" com os invasores. Houve exageros, claro. Perseguiram-se também aquelas que, desempregadas, tinham encontrado asilo nas fábricas inimigas.

Chanel foi capturada e escapou por pouco. Alguns autores atribuem sua rápida libertação às relações com o duque de Westminster, o amigo de Winston Churchill. Mas ela não foi perdoada. Malquista na França, teve de se esconder na Suíça, de onde só regressou em 1956. Os jornais arrasaram sua coleção, considerada ultrapassada, já que a moda mudara e se endeusava o "new look" de Christian Dior. Seu concorrente resolveu feminilizar as mulheres, em oposição ao look masculino de Chanel (leia quadro acima). Além do Atlântico, contudo, as americanas continuavam apaixonadas por seus "pretinhos básicos". Jacqueline Kennedy usava um tailleur assinado por ela no dia em que John Kennedy foi assassinado.

Durante muito tempo, a França tentou apagar o passado colaboracionista. Nos anos 1958-1968, durante a presidência do general Charles de Gaulle, construiu-se o mito de gauleses unidos em torno da Resistência, opondo-se ao governo de Vichy. Durante a presidência de François Mitterrand, entre 1981 e 1995, o paradigma caiu por terra. Inúmeras pesquisas revelaram os diferentes níveis de colaboração dos diversos grupos sociais. Mais recentemente, os presidentes Jac­ques Chirac e Nicolas Sarkozy tentaram reabilitar a Resistência e manter viva a ideia de que o país sofreu horrores, esmagado sob as botas do Reich.

 Nesta nova onda de interpretações, Coco Chanel entra repaginada. No filme, a personagem é totalmente detetizada, desinfetada, limpa. Não se toca em sua cooperação com o inimigo nem nos desdobramentos que sua atitude teria tido. Afinal, é preciso preservar o fenomenal negócio que são suas bolsas, compradas pelas apreciadoras de moda do mundo inteiro, e o rostinho de Audrey Tautou, garota-propaganda do perfume Chanel no 5. Se Coco antes de Chanel é um comercial bem chatinho, pelo menos nos faz lembrar de questões importantes. E, quando se comemoram 70 anos do maior conflito mundial, um pouco de história não faz mal a ninguém.

This Is It Michael Jackson ?

Nunca vamos chegar a saber o que teria sido This Is It ao vivo, tal como nunca vamos chegar a saber quem era ele: Michael Jackson. A estreia mundial de This Is It, o filme póstumo, é hoje. Em Portugal, até ontem, 19 mil pessoas tinham comprado bilhetes para assistir aos últimos dias do ambíguo rei sem cor nem sexo, que, afinal, tinha 50 anos e era humano. Ele nunca foi completamente nosso - uma supernova nunca é completamente nossa: era esse o seu mistério.

Norman Mailer, osso duro de roer pelo tempo, tinha ideias claras sobre aquilo a que um dia nos habituaríamos a chamar "síndrome de Peter Pan": "Havia aquela lei da vida tão cruel e tão justa que exigia que tivéssemos que crescer ou pagar mais por permanecer iguais."

Foi em 1955, quando acabáramos de inventar o conceito de "adolescente" e faltavam anos para que começássemos todos a recusar-nos a ser adultos, palavras de O Parque dos Veados, retrato tirado à corrupção de valores entre os pântanos desse bizarro planeta chamado Hollywood.

Hollywood, a fábrica de todos os sonhos e pesadelos americanos. A duas horas de carro mais para norte, uma prisão de cristal isolada entre quilómetros de campo, com lagos e piscinas, carrinhos de gelado e algodão-doce, parques de diversões e guaridas para animais exóticos: Neverland, a Terra do Nunca inventada por alguém que acabaria por nos dar a conhecer a dimensão exacta da factura a saldar.

Michael Jackson foi um pequeno querubim negro que viveu na era Motown, capaz de invocar sentimentos e gestos de adultos através do corpo de uma criança. Foi um fantástico e tímido rapaz-prodígio de graciosidade e delicadeza raras, bailarino extraordinário capaz de nos olhar com toda a doçura, ao mesmo tempo que se agarrava ferozmente às rédeas da criação da sua própria era. Foi um fulgurante jovem rei sem tempo, cor nem sexo, de rosto cinzelado como um ícone, sorriso encantador e voz de soprano cristalino, capaz de levar milhões à histeria, homens e mulheres a cair em lágrimas por apenas lhe tocar.

Michael Jackson foi um poderosíssimo mas frágil recluso, de identidade mutante, com os braços cheios de prémios, a esconder-se sob holofotes e uma muralha de excentricidades. Foi um talento super-humano, ou seja, mais humano, idiossincrático e vulnerável do que o permitido. Foi um ser acossado por fantasmas, ridicularizado, preso entre a ambiguidade das quatro paredes de vidro da fama, a tentar espreitar lá para fora, enquanto o mundo inteiro colava o nariz à montra a tentar ver lá para dentro. Foi um mito em perda tornado freak show, a imagem cada vez mais distorcida que nos era devolvida por um espelho cada vez mais estilhaçado.

Michael Jackson foi uma patética máscara de alienação, dor e morte. E quando, por fim, uma inabalável multidão de fãs esperava vê-lo renascer das cinzas e o resto do mundo se preparava para abrandar o carro e torcer o pescoço a assistir de passagem ao pior acidente rodoviário de sempre, voltou a desaparecer pela porta dos fundos.

Michael Jackson morreu a 25 de Junho, quando faltavam menos de três semanas para o início daquela que estava anunciada como a sua última série de concertos de sempre - uma arriscadíssima vertigem de 50 apresentações na 02 Arena, em Londres, com 800 mil bilhetes vendidos; a sua primeira grande apresentação em 12 anos, desde a HIStory World Tour, de 1996-1997, depois da qual actuara apenas em 2001, em dois concertos comemorativos dos seus 30 anos de carreira a solo, no Madison Square Garden, em Nova Iorque.

Em crescendo

Foi uma saída dramática, à medida da imagem que ele tinha de uma grande estrela. Ele, que tão bem conhecia a importância da ocultação como ferramenta de ancoragem no imaginário colectivo, desaparecia em mais uma nuvem de dúvida: nunca vamos saber o que teria sido This Is It ao vivo - apenas o que fizeram de This Is It num filme póstumo realizado a partir de mais de 100 horas de registos de ensaios.

Durante o encenadíssimo crescendo dos últimos meses, a culminar na estreia mundial de hoje - em Portugal, até ontem, havia 19 mil bilhetes adquiridos em pré-venda, como se fosse um concerto -, não houve antestreias nem visionamentos para imprensa. Como (quase) sempre no que toca à vida profissional de Michael Jackson, cada passo foi meticulosamente planeado de forma a pavimentar, milímetro a milímetro, o caminho até uma esperada apoteose.

Vimos o que nos quiseram dar a ver. Gota a gota. Primeiro ele de fato cinzento anódino à frente de um corpo de bailarinos na coreografia de inspiração militar do polémico They don''t care about us (1996), gravado com o grupo de percussão baiano Olodum, videoclip rodado na Rocinha, a maior favela do Rio de Janeiro.

Foi o primeiro registo a aparecer on-line de uma série de teasers que entreabriram a janela só o suficiente para ficarmos sem certezas - a não ser as que já tínhamos: que nas primeiras semanas de Junho Michael Jackson estava vivo, em palco.

A acreditar que o alinhamento de This Is It, a banda sonora, corresponde à ordem prevista de This Is It, o concerto, They don''t care about us, seria o terceiro momento, depois do arranque com Wanna be startin'' somethin'', composto durante Off The Wall (1979), mas lançado apenas com Thriller (1982). Daí até ao fim, haveríamos de reconhecê-lo em tudo, claro: o tom confessional e melódico, por vezes sacarino e soluçante de Human nature (1982), Man in the mirror e I just can''t stop loving you (1987); a narrativa noir e o registo sincopado de Smooth criminal (1987), com as possibilidades cénicas do seu Girl hunt ballet, Fred Astair e Cyd Charrise revistos, e o impossível Lean, o famoso passo de dança antigravidade, com o corpo a inclinar-se para a frente a 45 graus, o mais conhecido depois do moonwalk, o back-slide que caiu como um meteorito no final da interpretação de Billie Jean do 25º aniversário da Motown, em 1983, a estreia, também, do chapéu fedora preta com luva branca.

A Rolling Stone diria: "Aquele foi o momento que cristalizou o estatuto de celebridade de Michael Jackson." O mesmo Michael Jackson que acabara de se tornar no primeiro afro-americano com um vídeo na MTV e que pouco depois estaria a redefinir o que era essa mesma MTV, a arrecadar oito Grammys de uma só vez e a entrar para o Guinness com o álbum mais vendido de sempre - Thriller, mais de 104 milhões de cópias -, reconfigurando para lá do que parecia provável as fronteiras dos géneros, um mainstream pop feito de soul, funk, R&B, rock...

É tão fácil perceber como tem sido fácil esquecer o que ficou para trás que fez com que nas horas que se seguiram ao anúncio da morte se tenham ouvido rappers do mais duro lamentar de voz embargada e lágrimas nos olhos o desaparecimento do mesmo homem que nos últimos tempos só parecia ser-nos vendido como réu, mas que ainda havia quem defendesse como um dos primeiros a preparar o caminho para o mundo de Tiger Woods e Obama.

Quase toda a gente deve qualquer coisa a Michael Jackson e a esse seu lugar imaginário onde a ficção se misturou de tal forma com a realidade que nunca ninguém poderá estabelecer os limites de uma e outra.

O mestre

Na altura em que anunciou a realização de This Is It, o filme, Kenny Ortega, diria: "Quando começámos a reunir as imagens, percebemos que tínhamos captado qualquer coisa de extraordinário. É um olhar muito privado e exclusivo sobre o mundo de um génio criativo. Os fãs vão ver Michael como nunca antes - um grande artista em acção. É um registo cru, emocional, comovente e poderoso que capta a sua interacção com os colaboradores de This Is It que ele reuniu pessoalmente. Mostra um performer consumado a trabalhar com e a guiar os cantores, bailarinos, músicos, coreógrafos, especialistas de efeitos especiais. Consigo pensar em muitas palavras para descrever Michael, à medida que ensaia e cria This Is It - inspirador, dinâmico, generoso, dedicado, carinhoso -, vemo-lo como verdadeiro arquitecto e força motriz deste projecto - um verdadeiro mestre do seu métier, o entertainer dos entertainers. Um raro retrato de Michael enquanto se preparava para a sua última chamada de cena, para aquilo que eu acredito que seria a sua obra-prima."

Todos os que se aproximaram de Michael Jackson e saíram de lá sem nada a perder e com um registo em punho prometeram, desde sempre, olhares únicos, esclarecedores e privados.

Num dos raríssimos clips não oficiais que apareceram na Internet, vemo-lo concentradíssimo, perfurante, a mastigar freneticamente pastilha elástica num casting para bailarinos - talvez o tubarão dos negócios de que alguns falavam -, mas vemo-lo também constantemente a puxar o cabelo sobre a cara já escondida atrás de óculos escuros - sempre autoconsciente, sempre desconfortável na própria pele.

Num dos depoimentos incluídos em This Is It alguém menciona o perfume e a luz da sua presença em palco como que a falar de qualquer coisa de divino, o mesmo palco onde o vemos uma e outra vez, magríssimo, de rosto encovado, numa parada de figurinos, umas vezes a usar o insuportável falsetto que assumia como a sua "voz pública", outras no soprano mais profundo e masculino que constava ser a sua "verdadeira voz".

Alguém escreveu um dia que, quando começou a transformar o seu rosto, com uma identidade sexual cada vez mais ambígua, Michael Jackson deixou de ser corpo, passando a ser só alma. Em Junho, num especial Remembering Michael, em que recordou a célebre entrevista de 1993, Oprah falaria da doença que a maior parte do mundo nem queria acreditar existir - vitiligo - e de como foi estranho "olhar para uma pessoa que é quase translúcida", "através da qual se vê até às veias azuis".

Ela, uma das mulheres mais conhecidas da América, recordaria a sensação do "quão solitário era aquele sítio lá em cima, no topo". Foi a entrevista em que lhe perguntou, sem resposta, se ele era virgem, e também se estava satisfeito com o seu aspecto. À última questão ele respondeu com convicção: "Nunca estou satisfeito com nada, sou um perfeccionista. É quem eu sou." Foi a mesma entrevista em que explicaria como um erudito de profundidade insuspeita: "Acredito que toda a arte tem como objectivo máximo a união entre o material e o espiritual, o humano e o divino, acredito que essa é a razão da própria existência da arte. Acredito que fui escolhido como instrumento."

No memorial do Staples Center de Los Angeles, Brooke Shields voltou, anos depois, para falar, em lágrimas, num ser "carinhoso, divertido, honesto, puro" e para esclarecer nunca ter percebido completamente o cognome de rei escolhido para alguém que lhe fazia pensar mais no Principezinho de Saint- Exupéry. Queen Latifah leria um texto da actriz, bailarina, poeta e activista de direitos civis Maya Angelou, intitulado We Had Him ("nós tivemo-lo"): "Agora sabemos que não sabemos nada, agora que a nossa mais brilhante estrela nos pôde escapar da ponta dos dedos. No momento em que sabemos que Michael se foi, sabemos que não sabemos nada. Ele foi uma dádiva e nós tivemo-lo.

Deu-nos tudo o que lhe tinha sido dado." Percebe-se a escolha de palavras. Porque ele nunca foi completamente nosso - uma supernova nunca é completamente nossa: é esse o seu mistério, a sua magia. Para o termos seria necessário o Algoritmo de Deus, aquele que permite solucionar mais depressa o cubo mágico.

Mistérios de Lisboa realizado por Raoul Ruiz

«Há na vida acasos e coincidências tão extravagantes que nenhum novelista ousaria inventá-los»

Mistérios de Lisboa

«Quanto a mim, remeto-me aos velhos tratados de magia – porque se trata aqui, somente, de magia: a do cinema e a de Camilo Castelo Branco. Agora quero deambular por Lisboa e perder-me – descobrir os Mistérios de Lisboa».

Raoul Ruiz

Um dos maiores nomes do cinema mundial, Raoul Ruiz, volta a Portugal para filmar MISTÉRIOS DE LISBOA. O nono filme de Ruiz rodado no nosso país, é uma adaptação do romance homónimo de um dos nomes maiores da literatura portuguesa: Camilo Castelo Branco. Este ambicioso projecto, maioritariamente rodado em Lisboa, no Outono de 2009, prevê uma recriação da cidade do fim do século XVIII, início do século XIX, uma adaptação de Carlos Saboga que resultará num filme e numa série para televisão.

Com um elenco de luxo que reúne muitos dos melhores actores portugueses (Adriano Luz, José Afonso Pimentel, Maria João Bastos, Ivo Canelas, Margarida Vila Nova, Rogério Samora, Filipe Duarte, São José Correia, Marco D’Almeida, João Ricardo, Joana de Verona, Ana Bustorff, Rui Morrison entre muitos outros) inclui, também, um prestigiado cast internacional, estando previstas as participações de Laetitia Casta (Face de Tsai Ming-liang, 2009), Melvil Poupaud (44 Inch Chest, de Malcolme Venville, 2009), ou Marion Cotillard, vencedora em 2008 do Óscar de Melhor Actriz para a sua interpretação no «LaMôme», onde encarnava Edith Piaf.

Uma produção CLAP FILMES, rodada maioritariamente em Lisboa mas também em França e no Brasil e que estará concluída em Setembro 2010.

RAOUL RUIZ:

«O cineasta mais prolífico da nossa época, aquele cuja filmografia é «quase» impossível de definir tal é a sua diversidade, esplendor e multiplicidade de formas de produção há mais de vinte anos(…).»

Serge Toubiana, Cahiers du Cinema, 1983

Nascido no Chile em 1941 é durante os anos 60 que Raoul Ruiz se torna um dos líderes do cinema chileno e o conselheiro cinematográfico de Salvador Allende. Realizador de mais de uma centena de longas-metragens e unanimemente reconhecido, revela-se ao grande público com «TRÉS VIDAS E UMA SÓ MORTE» com Marcello Mastroianni, presente na Competição Oficial em Cannes 96; com «GENEALOGIAS DE UM CRIME» com Catherine Deneuve, que conquistou o Urso de Prata em Berlim, em 1987 e com «O TEMPO REENCONTRADO» uma adaptação da obra de Marcel Proust, presente na Competição Oficial do Festival de Cannes em 1999.

Raoul Ruíz, reconhecido como um dos principais cineastas em actividade, começou a sua carreira artística no teatro de vanguarda como dramaturgo, tendo escrito mais de cem peças. A partir dos anos 60, inicia a sua carreira no cinema. Ao trabalhar com directores de fotografia inovadores como Diego Bonancia, Sacha Vierny, Henri Alekan e Acácio de Almeida, traz, novamente, a magia da poesia realista francesa, ao explorar o mundo da manipulação, da impotência e da violência. A forma como utiliza a luz, jogando com filtros e espelhos, recriando a realidade fílmica numa espécie de caleidoscópio, que nos introduz no labirinto das suas representações e que nos familiariza com o seu exoterismo fantástico.

Exilado em Paris desde 1973, é galardoado em 1982 com um prémio especial, pela revista de cinema Cahiers du Cinema, que lhe dedica um número inteiro, elegendo-o como o cineasta francês mais importante desde Rohmer, Bresson e Godard. Entre 1985 e 1988 exerceu o cargo de director da Casa de Cultura de Le Havre. Entre muitos outros reconhecimentos no mundo inteiro, foi premiado em 1997 no Festival Internacional de Cinema de Berlim com o Silver Berlin Award” pela sua contribuição à sétima arte. No ano 2002 foi membro do júri da Selecção Oficial do Festival de Cannes.

Um tributo a Raoul Ruíz foi realizado no Festival Internacional de Cinema de Roterdão em 2004, numa retrospectiva intitulada: «Raoul Ruiz: An Eternal Wanderer».

Ao longo da sua carreira, Ruíz criou uma grande cumplicidade com o produtor Paulo Branco, desde o início dos anos 80, trabalhando com ele, primeiro em Portugal e depois também em França. Foram oito as longas-metragens de Raoul Ruíz filmadas em Portugal, e catorze, os filmes produzidos ou co-produzidos por Paulo Branco até ao momento, MISTÉRIOS DE LISBOA será a sua décima quinta colaboração. Desses filmes, três passaram pela competição na Selecção Oficial do Festival de Cannes. Todos os filmes de Raoul Ruíz produzidos por Paulo Branco estrearam em Portugal e em França, e a grande maioria em muitos outros países também, nomeadamente os mais recentes.

Música, pintura e escultura compõem cenário de “Tributo a Villa-Lobos”

Quadro de Ferjo em homenagem a Villa-Lobos.

Mais uma vez a sede da Organização das Nações Unidas (ONU) em Nova Iorque é palco de uma importante exposição brasileira. “Tributo a Villa-Lobos” mostra trabalhos de 22 artistas brasileiros, numa justa homenagem a um dos mais expressivos nomes da música de todos os tempos.

A exibição vai de 26 de outubro a 6 de novembro. A abertura oficial no dia 30 de outubro, das 6pm às 9pm, traz os músicos Caroline Braga, Lívia Sandoval, Daniel Duarte e Dênis Hurtado como convidados especiais. O coquetel só vai acrescentar mais brasilidade ao evento.

Curada por Alcinda Saphira, Renê Nascimento e Antônio Oliveira, a exposição traz ainda obras das portuguesas Cila Santos e Isabel Amaro, e de artistas descendentes de 7 etnias indígenas. As obras são de artistas de New Jersey, Nova Iorque e Boston, Massachusetts, e até mesmo de artistas que moram no Brasil.

De acordo com Alcinda, o tema Villa-Lobos, aliado ao incentivo do Departamento de Língua Portuguesa da ONU, torna o evento ainda mais brasileiro. O músico homenageado era um visionário, dotado de extrema criatividade e representa muito para a cultura brasileira. Dia 17 de novembro é o cinquentenário de morte de Villa-Lobos. É um verdadeiro orgulho para os artistas participar do evento.

Heitor Villa-Lobos se inspirou em sons da Floresta Amazônica e dos índios para compor as obras. Com “Africanas” (1914), descobriu uma linguagem própria, a qual se firmou quando compôs “Amazonas e Uirapuru” (1917). Autor das famosas “Bachianas Brasileiras” (1930-1945), viajou ao Norte e Nordeste brasileiros. O interior do país que tanto amava influenciou “Miudinho”, “Cair da Tarde”, “Xangô” e “Quadrilha”.

Cor e música para o maestro
O trem produzido por D. Finotto faz alusão ao “Trenzinho Caipira” do Maestro Villa-Lobos. Ed Ribeiro preferiu uma Yemanjá estilizada, e Ferjo usou de muitas cores e perspectivas, acompanhadas de um belo piano. Também não faltaram instrumentos musicais nas obras de Luciano Lima e Alexandre Emmanuel. Para Ricardo Nascimento, nada melhor do que bordados com simples casas. As notas musicais de Shizue dançam num mar vermelho.

Participam ainda Artur Moreira, Flory Menezes, Arlete Costa, Arnaldo Garcez, Astride Rosa, Júnia d’Affonseca, Deborah Costa, Maria Antônia, Sandra Romano, Lúcia Tolentino, Íris Alvarez, Laila Guimarães, Czanotti, Ce Granito e Cássia Maia. Os artistas indígenas, que trouxeram machetaria e acrílico sobre tela são Duhigo, Dhiani, Pa’saro, Sanipa, Too Xac Wa, Yupury, Tchanpan, Kawena e Iwiri-Ki. Todos eles são membros do Instituto Dirson Costa de Arte e Cultura Amazônicas (IDC), batizado com o nome de um ex-aluno de Villa-Lobos.

Todos os artistas sem exceção ficaram muito entusiasmados em participar do evento. De acordo com Alcinda, alguns deles passaram dois meses em função da exposição. A curadora acredita que este trabalho possa ajudar a expandir muito mais a já positiva imagem de Villa-Lobos no mundo.

Para participar da recepção de abertura é preciso confirmar presença através do e-mail alcindas@aol.com. A entrada para a abertura oficial só sera permitida das 6pm às 7pm. A visitação é de segunda a sexta-feira, das 9am às 5pm. Por ser uma área de acesso restrito da ONU, é preciso também confirmar presença através do mesmo endereço de e-mail. “Tributo a Villa-Lobos” estará no Secretariat South Lobby da ONU, 46th Street com a 1ª Avenida.

Homenagem ao “Ciclo do Linho”

Obviamente, e também com muito enlevo, coadjuvar o importante trabalho secular da ordem dos Beneditinos no Mosteiro de Cucujães. Neste momento já contamos com um vasto repositório de utensílios e ferramentas de várias actividades profissionais, as quais constituíram a forma de vida das gentes da região na qual estamos inseridos. Iremos realizar uma exposição com todos os trâmites do linho.

Esta exposição vai ser realizada nos claustros do Seminário das Missões em Cucujães. É nosso propósito homenagear todas as pessoas que trabalharam o linho, envolvê-las e apresentá-las nas diversas fases do mesmo, apresentando-o em vinte cenários distintos.

Apontamos a data de 24 de Outubro pelas 15:00h para a abertura da exposição.

Toda a exposição vai ser recriada e animada pelo grupo de cantares do Museu Regional de Cucujães e pelo grupo de concertinas recentemente criado pelo mesmo museu.

As cores da Henri Matisse Invadem a Pinacoteca de São Paulo

É a primeira vez que uma exposição individual do artista francês Henri Matisse (1869-1954) vem ao Brasil e à América Latina. Em mais um evento comemorativo ao ano da França no Brasil, a exposição "Matisse Hoje" está na Pinacoteca do Estado de São Paulo desde o dia 5 de setembro.

Organizada pela curadora adjunta do museu Henri Matisse na França, Émilie Ovaere e a curadora adjunta, Regina Teixeira, da Pinacoteca, a exposição está dividida em "Paisagens iniciais", "Naturezas mortas", "Mulheres nos interiores, odaliscas", "O gabinete de artes gráficas" e "Papéis recortados". "A Dança", o quadro mais conhecido de Matisse, não será encontrada na exposição. O motivo é que as duas versões, encontradas no Museu de Arte Moderna de Nova York e de São Petersburgo, na Rússia, têm dimensões gigantescas e por motivos logísticos inviabilizou o trâmite para São Paulo. A exposição "Matisse Hoje", apresenta mais de 80 obras entre pinturas, esculturas, desenhos, gravuras e um vídeo que destaca a criação da capela em Vence, no sul da França feita por Matisse.

A exposição "Diálogos com Cinco Artistas Franceses Contemporâneos", Cécile Bart, Christophe Cuzin, Frédérique Lucien, Pierre Mabille e Phillipe Richard - participam da exposição "Matisse Hoje" e fazem um viés com as técnicas do artista explorando os temas básicos de sua arte. Pertencentes ao acervo da Pinacoteca, os trabalhos dos brasileiros Beatriz Milhazes, Rodrigo Andrade, Paulo Pasta, Dudi Maia Rosa, Felipe Cohen e Waltércio Caldas também fazem parte desta exposição.
Através das fotografias feitas por Cartier-Bresson e Man Ray que registram e documentam a forma de produzir de Matisse podemos ver o artista em seu ateliê.

Matisse possui características marcantes como a combinação única e intensa de cores, linhas, arabescos e espaço, transportadas no corpo feminino, roupas, tecidos, tapeçaria, etc.
Embora injustamente Matisse tenha sido julgado por muitos, em sua época, como um artista meramente decorativo, pois suas obras são agradáveis aos olhos e de fácil sedução, Matisse é referência no séc. XX, rivalizando, apenas com Picasso. O próprio Matisse declarava que intensionava criar uma arte que trouxesse mais "leveza" à vida.

Obras de Matisse em exposição na Pinacoteca de São Paulo, 2009.

Exposição "Diálogos com Cinco Artistas Franceses Contemporâneos" Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2009.

Natureza-Morta com Magnólia (1941) a obra preferida de Henri Matisse

Milhares de pessoas já visitaram a exposição inédita no Brasil e na América Latina

Gertrude Stein | 1905

O pintor: Pablo Picasso nasceu em Málaga, Espanha, em 1881. Cresceu em Barcelona e sempre conviveu com artistas e escritores. Em 1904 foi para Paris onde ficou amigo de Georges Braque, de Guillaume Apollinaire, de Max Jacob e de Gertrude Stein, amiga e muitas vezes, esteio. Criou, com seu amigo Braque, o cubismo, e daí em diante não parou mais de criar.

Seu estilo foi do clássico às abstrações mais radicais. Pintor, escultor, desenhista, ceramista, cenógrafo, gravurista e projetista, Picasso é uma das figuras mais importantes e influentes nas Artes Plásticas do século XX. Longevo, talentoso, e com vida amorosa rica e variada, foi um homem que marcou seu tempo.

O retrato: Em seu livro “A Autobiografia de Alice B. Toklas” (1932), Gertrude Stein conta: “Picasso desde os dezesseis anos nunca mais tinha tido alguém que posasse para ele. Nessa altura ele estava com 24 anos . Gertrude nunca pensara em ter seu retrato pintado. Nenhum dos dois sabe contar como a ideia surgiu. Mas o fato é que aconteceu e que ela posou para esse retrato noventa vezes. Havia uma grande poltrona quebrada onde ela se sentou.

Um sofá onde todos sentavam e dormiam. Uma cadeirinha da cozinha onde Picasso sentou para pintar. Um grande cavalete e muitas telas. Ela sentou na pose escolhida e ele sentou muito teso em sua cadeira e muito perto da tela e numa pequena paleta, toda marrom acinzentada, ele misturou mais marrom cinzento e começou a pintar. De repente, num dia ele pintou toda a cabeça. “Quando eu olho, não consigo mais te ver”, ele disse, irritado, e então o quadro ficou assim mesmo”. Óleo sobre tela, 100 x 81.3 cm.

Gertrude Stein nasceu em 3 de fevereiro de 1874, em Pittsburgh, EUA e faleceu dia 27 de julho de 1946, em Paris.

Foi escritora, poeta e uma precursora do feminismo. 27, rue de Fleurus foi o primeiro endereço dela e de seu irmão Leo após deixarem Oakland, em 1891. Foi ali que ela viveu quase 40 anos. Leo era um colecionador de arte e logo Gertrude seguiu os passos do irmão. Sua casa passou a ser conhecida como um "salon": os quadros que cobriam todas as paredes ela comprava de Picasso, Renoir, Gauguin, Cézanne, Gris, Matisse, e muitos outros.

Artistas, escritores e críticos passaram a ser freqüentadores assíduos da casa dos Stein para as reuniões à noite. Picasso e ela tornaram-se grandes amigos e ela foi fundamental no início da vida e da carreira do jovem catalão. Quando alguém comentou que ela não se parecia com a figura no retrato que ele fez dela, o pintor respondeu: “Pode deixar, vai parecer”.

A rua de Fleurus se tornou tão popular que Gertrude, escritora, passou a escrever somente bem tarde da noite, quando todos haviam se retirado. Em 1910, Alice B. Toklas, a amiga que a ajudava fazendo a revisão de seus textos, se muda para lá e passa a ser, dali em diante, a companheira de Gertrude, uma relação que durou 39 anos.

Quando começa a I Guerra Mundial, elas saem de Paris, mas em 1916 voltam para a cidade. Encomendam um Ford dos EUA e o transformam em uma caminhonete para distribuir medicamentos pelos hospitais da cidade. Depois de 1918, tudo mudou e Paris não era mais a mesma. Esses anos seriam conhecidos como “A Geração Perdida”, um mundo desiludido pela guerra. Essa é a Paris de Hemingway e Fitzgerald, que também se tornam grandes amigos de Gertrude. Eles descrevem uma Paris onde a liberdade é muito grande, mas onde o idealismo desapareceu. A festa de Hemingway é uma festa triste.

Até 1933, Gertrude era conhecida como a patronesse de artistas e a protetora de gênios e não como a escritora que sempre quis ser. Mas, nesse ano, com a publicação do interessante “A Autobriografia de Alice B. Toklas”, tudo mudou. Nesse livro, no qual ela escreve como se fosse sua companheira falando, ela relata as primeiras décadas do século XX na Paris dos artistas com quem conviveu intimamente e a quem muito ajudou. É um testemunho de quem viveu e participou dos movimentos artísticos mais interessantes do início do século XX.

Acervo Metropolitan Museum of Art, New York
www.ellensplace.net/gstein4.html
http://www.metmuseum.org/

Tribos das margens do rio Oma | Africa

Nos confins da Etiópia, a séculos da modernidade, Hans Silvester fotografou, durante seis anos, tribos onde homens, mulheres, crianças e velhos são gênios de uma arte ancestral. A seus pés, o rio de Omo.

Sobre um triângulo Etíope-Sudanês-Keniano, no grande Vale do Rift que se separa lentamente da África, existe uma região vulcânica que fornece uma imensa paleta de pigmentos: ocre vermelho, argila branca, verde cobre, amarelo luminoso ou o cinza de cinzas.

Eles são gênios da pintura e seus corpos, de dois metros de altura, uma imensa tela. A força de sua arte cabe em três palavras: os dedos, a vitalidade e a liberdade. Eles desenham com as mãos abertas, com a ponta das unhas, às vezes com uma ponta de madeira, um junco, um talo quebrado.

Casal Obama escolhe quadros modernos para decorar a Casa Branca

O casal Obama pediu emprestadas 47 obras de arte a museus de Washington para decorar as paredes da Casa Branca, revelando um gosto pela arte moderna e contemporânea e pelo trabalho de artistas representantes de minorias.

As obras selecionadas pelo presidente Barack Obama e sua esposa Michelle foram solicitadas a cinco museus, entre eles a National Gallery of Art e o Museu da Escultura Hirshhorn, indicou a assessoria da primeira-dama.

'Sunset', de Winslow Homer

Entre os quadros escolhidos figuram sete obras de artistas negros, entre as quais uma de Glenn Ligon, artista conceitual que explora os temas da política e da raça utilizando em suas telas textos, neón e fotos.

O pintor William Johnson, do movimento "Harlem Renaissance", está representado por quatro obras naif enquanto que os quadros de Alma Thomas, umas das primeiras pintoras afro-americanas, são pinturas abstratas.

Também foram escolhidas várias peças de barro cozido ou de arte dos nativos americanos. George Catlin, retratista do estilo de vida dos indígenas americanos do século XIX, tem uma dúzia de quadros na Casa Branca.

Entre as obras mais clássicas estão "Sunset", de Winslow Homer, e dois bronzes de bailarinas de Degas, enquanto que os pintores abstratos Mark Rothko, Josef Albers, conceituais como Edward Corbett e Jasper Johns, ou representantes da pop-art como Edward Ruscha estão bem representados.

Do outro lado do Atlântico, além de Degas, há naturezas mortas do pintor italiano Giorgio Morandi junto a uma imagem de Nice, de Nicolas de Staël.

Segundo o conselheiro de arte da Casa Branca, William Allman, a escolha dos Obama "demonstra um interesse pela verdadeira arte moderna".

Jackie Kennedy levou um Cézanne para a Casa Branca e Hillary Clinton gostava de artistas abstratos como Kandinsky ou Kooning e as obras de Georgia O'Keefe.

Frank Lloyd Wright School of Architecture

CBS - Cork Block Shelter
Designed by David Mares

From: Setúbal, Portugal
Shelter location: Portugal
Date accepted: August 18, 2009
View this model in the Google 3D Warehouse

CBS is located at Vale dos Barris. It was designed to be an ecological and living block. In a microclimate that ranges from the dry heat to damp cold, the application of cork is a good way of thermally isolating the shelter and also providing acoustic insulation for study/sleep. The dynamic facade gives visual interaction when in living-studying mode; in rest-sleep mode it closes to provide privacy for its occupant.

Colecção Berardo com novo horário

O Museu Colecção Berardo vai alterar o seu horário de funcionamento e passa a estar aberto aos sábados até às 22h. Iniciando um novo ciclo de exposições com a mostra Amália – Coração Independente, o Museu mantém-se aberto todos os dias da semana, das 10h às 19h. O novo horário entra em vigor a partir de 10 Outubro.

Site oficial. http://www.museuberardo.pt/

"The United States of Sobral"

É assim que no Brasil, os cearenses chamam a cidade de Cid Gomes, o ex-escoteiro socialista que implantou no sertão uma amostra do american way of life.

Paris e Nova York Sob inspiração francesa, Sobral ergueu seu arco do triunfo. Agora, usa ônibus escolares americanos e incentiva a prática do beisebol.

Encravada no sertão cearense, no Brasil, a cidade de Sobral cultiva estrangeirices com tal entusiasmo que passou a ser conhecida no resto do estado pelo título desta reportagem: "The United States of Sobral". Lá, circulam ônibus escolares americanos (originais), que, além de serem amarelos como os que se veem nos filmes, ainda trazem a inscrição em inglês: School Bus. Lá, pratica-se beisebol – ou uma versão rudimentar do jogo, segundo a confederação brasileira desse esporte. Lá, o Kentucky Derby, uma das mais tradicionais competições do circuito do turfe dos Estados Unidos, inspirou a criação do Derby Club Sobralense. A diferença é que, sob o sol do agreste, os jóqueis treinam com calção de futebol. Lá, a população apelidou o parque da cidade de "Central Park", parodiando seu congênere nova-iorquino. A veia, digamos, cosmopolita de Sobral não é nova, mas ganhou força entre 1997 e 2004, quando a cidade foi administrada por Cid Gomes, do PSB, o atual governador do Ceará. Desde então, já há quem veja semelhanças entre o Rio Acaraú, que corta a cidade, e o Hudson, que banha Nova York.

Antes de Gomes, a cidade mimetizava europeísmos, por obra e graça (muita graça) de um bispo que mandou e desmandou naquelas bandas durante a primeira metade do século XX: dom José Tupynambá da Frota. Ele queria conferir a Sobral um ar francês e, entre outros lampejos geniais, teve a ideia de homenagear Nossa Senhora de Fátima com um monumento inspirado no Arco do Triunfo, erguido em Paris por Napoleão Bonaparte, para comemorar suas vitórias militares. O monumento está localizado na Avenida Boulevard do Arco. Como tem bares e restaurantes, os sobralenses fazem uma associação imediata. "Ela lembra a Champs-Elysées de Paris", diz o colunista social Arnaud Cavalcante. Sob o domínio do socialista Cid Gomes, Sobral passou a se espelhar nos Estados Unidos. Ele começou a imaginar a aparência globalizada de Sobral em 1996, ainda na condição de deputado estadual. Escalado pela assembleia cearense para a árdua tarefa de fazer um périplo pelas câmaras legislativas americanas, Cid voltou dos Estados Unidos cheio de projetos. No ano seguinte, ao assumir a prefeitura, passou a pô-los em prática.

Seu irmão mais velho, Ciro Gomes, ajudou-o a dar os primeiros passos na americanização de Sobral. Em 1998, Ciro, que frequentou um curso de inglês básico na Universidade Harvard, convenceu uma fundação a doar 36 school buses usados para a prefeitura do irmão. O município precisou arcar somente com o frete dos veículos. Pena que houve um inconveniente: no Ceará, não existem peças nem mecânicos especializados para esse tipo de ônibus. Por isso, eles foram sendo encostados à medida que precisavam de manutenção. Dos 36 ônibus, só três ainda estão em circulação. Numa boa iniciativa, inspirada pelo empenho acadêmico do irmão mais velho, o então prefeito Cid resolveu que daria proficiência em inglês aos alunos das escolas públicas. Para tanto, instalou o Palácio de Ciências e Línguas Estrangeiras em um casarão neoclássico onde funcionou aquele que foi o clube mais elegante da cidade, o Palace. Construiu também um museu em memória da missão de cientistas ingleses que foi a Sobral em 1919, para tentar comprovar a teoria da relatividade por meio da observação de um eclipse. Hoje, o prédio abriga um relativamente bom observatório astronômico.

Sob a influência de Cid, a cidade foi adotando costumes de climas temperados. A 27 quilômetros do centro, a Serra da Meruoca, um maciço rochoso de 920 metros de altura, sofisticou-se. Em casas com lareira, os ricos aproveitam temperaturas que dizem ser 15 graus mais baixas do que a média de Sobral (30 graus), para usar seus casacos elegantes – um deles, como não poderia deixar de ser, é Cid. Nos restaurantes da Meruoca, saboreiam-se fondues, sopas e chocolate quente. E um festival de inverno oferece atividades culturais aos turistas. É a Aspen do Ceará.

Paisagem globalizada Um dos carrões "Miami Vice" da polícia local, o museu que celebra Einstein e a versão do turfe americano

No fim de sua gestão como prefeito, Cid patrocinou três equipes de beisebol e prometeu construir um campo exclusivo para a prática do esporte nas margens do Acaraú – que jamais saiu do papel. "Mas, quando ele era prefeito, nós tinhamos prioridade para usar o campo de futebol", pondera Reinaldo Marques Filho, treinador de todos os times de beisebol locais. Marques Filho é amigo de Cid desde a infância, quando eles viviam sempre alertas como escoteiros.

Esses rasgos modernizadores garantiram a Cid uma enorme popularidade. Muitos sobralenses o chamam de "El Cid" e o identificam como o redentor de uma profecia feita pelo bispo Tupynambá da Frota, o do arco do triunfo. Ao morrer, em 1959, ele previu três décadas de estagnação para Sobral – estancada pelo socialista yankee. Hoje, boa parte do maior reduto eleitoral do ex-prefeito e atual governador ainda é abastecida por carros-pipa, não fornece água tratada a toda a população nem dispõe de saneamento. Em Sobral, as principais causas de morte são as doenças infecciosas e parasitárias. Mas as ruas são iluminadas e a polícia se desloca, no confortável estilo "Miami Vice", em carrões equipados com ar-condicionado e câmbio automático. Graças à Votorantim e à Grendene, que empregam 12% da população, o comércio local é vigoroso. Cid agora quer mais um retoque à sua Nova York: metrô. No início do mês, lançou uma licitação para começar as obras. Em Fortaleza, a capital, cuja população é catorze vezes a de Sobral, o metrô local ainda não transportou ninguém. Está sendo construído desde 1999.

Very good, Cid.

“Antologia de pintura de Gabriela Diaz-Bérrio”

No Centro Cultural Dr. Marques Crespo (Estremoz) vai ser inaugurada a 19 de Setembro, a exposição temporária “Antologia de pintura de Gabriela Diaz-Bérrio”, uma organização da Câmara Municipal de Estremoz, através do seu Museu.

O evento termina a 17 de Outubro, estando patente de Terça-Feira a Sábado, sendo a entrada gratuita.
Apresenta-nos a autora várias dezenas de pinturas a acrílico sobre tela. Os trabalhos são figurativos, plenos de cor, onde personalidades importantes do mundo das artes e espectáculo, convivem com retratos de pessoas comuns ou saídas do mundo muito próprio de Gabriela. As personagens estão em pose, ou congeladas numa expressão que permaneceu com a autora e que com habilidade conseguiu passar para a tela.
Com o retratado convivem objectos (in)animados com significância, que conferem sentido ao discurso plástico, e inteligíveis numa observação mais atenta e cuidada por parte de espectador, que assim ganha para si a tela.
O resultado e a evolução do trabalho de Gabriela Diaz-Bérrio estão então nesta exposição, que se entende e quer passar enquanto antologia.

Biografia

Maria Gabriela Teixeira de Sousa Diaz-Bérrio nasceu em Lisboa a 30 de Março de 1958. Com um percurso académico muito variado é na Escola de Artes Decorativas António Arroio, que se liga ás artes.Fez o curso geral de cerâmica, teve como professores, mestre Rogério, mestre Falardo e mestre Querubim Lapa.Sempre gostou de se relacionar com artistas plásticos e escultores como por exemplo; a já falecida Dória Castelo Branco. Por contingências da vida, abandona a cerâmica e mais tarde começa a trabalhar em boutiques, em cinema publicitário e como vendedora de espaços para publicidade numa revista de pesca desportiva. Em 1993, devido a grave doença, passa horas a desenhar para os amigos.Incentivada por Mimi Marçal, é convidada a mostrar os seus trabalhos a Fátima Mateus, também pintora que é sua “Madrinha”, uma vez que é com ela que expõe pela primeira vez em Sousel na “Fescaça 2006”. Desde 1986 que reside em Evoramonte, concelho de Estremoz, local onde tem atelier.

Exposições

2006- Setembro - Fescaça Sousel;

2006- Novembro – Rotary Club de Estremoz – Hotel Páteo dos Solares(colectiva), Estremoz 2007- Jan. / Fev. -Hotel Páteo dos Solares (individual) 2007-Fev. / Mar. – D. Tea Casa de Chá, Estremoz (individual) 2007- Junho - Igreja da Misericórdia Evoramonte (a convite da LACE), Projecto “Castelo Vivo”. (individual) 2007- Dezembro - Casa da Convenção de Evoramonte (a convite da LACE), Projecto “Evoramonte Castelo da Paz”

2008- Dezembro - Amorosa Place (condomínio), Loures2009- Junho – V Bienal de Stª. Maria da Serra (Fátima), (colectiva)

Dias Medievais no Castelo de Castro Marim

Dias Medievais voltaram ao castelo da vila e fizeram uma viagem ao passado. Terminou domingo, e contou com a visita de cerca 50 mil pessoas.

A vila de Castro Marim recuou até ao espírito da Idade Média e mostrou mais uma edição dos Dias Medievais no Castelo de Castro Marim. Esta, que já é a décima edição do certame, foi povoar as muralhas com guerreiros, engolidores de fogo, encantadores de serpentes e bobos. A realeza também não foi esquecida, nem os poderosos nobres acompanhados por jograis e trovadores. A feira e o mercado medievais foram outros pontos altos, e contou com a presença de mais de 60 artesãos que recriaram ao vivo os ofícios e profissões da época, como o padeiro, o farmacêutico ou o boticário.

A conferir autenticidade à feira, houve um espaço destinado à comercialização de produtos, onde não faltaram o sal, o peixe fresco e seco e o polvo. Nesta, que se pretende uma viagem pelo tempo, houve igualmente torneios de cavalaria, provas de falcoaria e a tenebrosa exibição dos instrumentos de punição e tortura. Como vem sendo tradição, o banquete marcou o arranque da agitação no Castelo, assegurada por várias representações, espectáculos musicais e duelos. A animação dentro das muralhas começou às oito da noite, com um desfile triunfal, seguido por um espectáculo de destreza, música e cor no Terreiro do Castelo. A noite terminou com um concerto a cargo do grupo «Els Berros de la Cort», no palco principal. Na sexta-feira, o destaque foi para a peça «Artes Populares na Idade Média contra o flagelo da Peste», representada pela Companhia de Teatro Vivarte, a partir das 23 horas. Uma hora antes, foi possível escutar um concerto de música Andalusí Magrebi, na Igreja do Castelo.

No terceiro dia do certame, o movimento começou às 17 horas, com a abertura da feira e mercado. Noite fora, já depois das 23 horas, realizou-se mais um Torneio Medieval a Cavalo, a cargo do Esquadrão da GNR do Alentejo e Algarve. No último dia, domingo, foi possível rever o Desfile Medieval pelas ruas de Castro Marim, depois das 16 horas. Duas horas mais tarde, a companhia de teatro Vivarte voltou a entrar em cena para representar um «Juízo de Heréticos e Malfeitores». O final da noite foi assinalado por um espectáculo de lenda e pirotecnia. Os Dias Medievais são uma organização da Câmara Municipal de Castro Marim e fazem parte da programação dos eventos de Verão «Allgarve».

Torturas medievais em exposição Durante os Dias Medievais foi possível visitar no paiol do castelo a exposição «Instrumentos de Tortura e Punição». Nesta mostra foram exibidas réplicas de máquinas de tortura utilizadas na Idade Média, tais como a jaula suspensa, a roda, o empalamento, a forca ou o garrote espanhol, mostrando uma das razões pela qual a Idade Média é apelidada pelos historiadores como «a época das trevas». Os instrumentos de tortura eram normalmente empregues nos interrogatórios judiciais e inquisitoriais, destinados a punir aqueles que tinham cometido qualquer tipo de crime ou para castigar os que eram considerados hereges.

Emir Kusturica e The No Smoking | Marina de Albufeira

Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, apresentaram-se para um espectáculo na Marina de Albufeira , sábado 29 de Agosto. Para este concerto, a banda veio com o seu mais recente álbum Time of the Gypsies, um registo semelhante aos anteriores, embora sem nunca esquecer as enigmáticas músicas Unza Unza Time!, Pitbull Terrier, Bubamara, entre muitas outras que são parte integrante da história do agrupamento, num concerto que proporcionou uma noite de grande festa em Albufeira.

Workshop|Matt Cimber atraíu 80 participantes

“No Algarve existe muito talento à espera de ser revelado”

O guionista, realizador e produtor norte-americano Matt Cimber, considera que “no Algarve existe muito talento para fazer cinema, que só está à espera da oportunidade certa para ser revelado”.
Para demonstrar como existe talento na região, disponibilizou-se para dirigir uma longa-metragem onde toda a equipa seja local, incluindo actores, chefias, técnicos e músicos.
Matt Cimber falava, em Faro, durante um Workshop promovido pela ALGARVE FILM COMMISSION, no passado sábado, 15 de Agosto, que atraíu 80 participantes de toda a Região, Alentejo e Grande Lisboa.
Para além de dinamizar o Workshop, esteve três dias na Região tendo visitado várias localizações em Faro, Olhão, Tavira e Vila Real de Santo António, que poderão vir a ser cenários dos projectos que tem em preparação.
Durante a iniciativa diria mesmo que “vi paisagens e localizações que facilmente parecem a Califórnia ou o Sul de França, permitindo realizar aqui filmes de vários tipos”.
Matt Cimber acrescentou que “além de paisagens que se podem parecer com outras partes do Mundo, têm tudo o que está ligado à vossa história e ao património e locais únicos, como Sagres, que só existem no Algarve”.
O objectivo do Workshop promovido pela ALGARVE FILM COMMISSION foi familiarizar os participantes com o sistema de produção norte-americano, por forma a identificar as principais oportunidades que se colocam aos técnicos locais sempre que uma produção internacional seja rodada na região.
Matt Cimber começou a sua carreira nos anos 60, dirigindo teatro em Nova Iorque, tendo-se estreado como realizador de cinema em 1968. Desde então, assinou 20 longas-metragens e dezenas de documentários, tendo dirigido actores como Jayne Mansfield, Pia Zadora, Rex Harrison, Orson Welles, entre outros.
A ALGARVE FILM COMMISSION tem como objecto a promoção do desenvolvimento do sector do cinema, multimédia e audiovisual em geral, através da divulgação da Região do Algarve como local para a realização de produções audiovisuais nacionais e internacionais.
A Associação conta com o patrocínio da CCDR ALGARVE, das Câmaras Municipais de LAGOS, PORTIMÃO, TAVIRA, VILA DO BISPO e VILA REAL DE SANTO ANTÓNIO, assim como com o apoio institucional da RTA – Região de Turismo do Algarve e Teatro Municipal de Faro, EM.
A nível internacional e sócia efectiva da AFCI – Association of Film Commissions Internacional, com sede nos Estados Unidos e da EUFCN – European Film Commissions Network, com sede em Bruxelas.

ABBA GOLD Encerram o Allgarve Music 09

Os Abba Gold, que protagonizaram o último concerto Allgarve Music, tiveram lotação esgotada, ontem, no Vila Sol SPA & Golf Resort, em Vilamoura, com perto de um milhar de pessoas a recordar os êxitos da mítica banda sueca. “Take a chance on me”, “Waterloo”, “Daning Queen” ou “Mamma Mia”, foram alguns dos êxitos interpretados pelos Abba Gold, num espectáculo que agradou a várias gerações de fãs.

Desde que venceram o Festival Eurovisão da Canção em 1974, os Abba marcaram uma geração e deixaram um legado inigualável, com dezenas de êxitos editados, tendo alcançado a fama mundial.

Joss Stone, Seal, Martinho da Vila e Gilberto Gil, Mariza, Herman José e José Cid foram alguns dos artistas que passaram pelos dez concertos Allgarve Music, que decorreram durante o mês de Agosto em vários palcos da região sul do país.

O Allgarve Music é promovido pelo Turismo de Portugal e Região de Turismo do Algarve, as equipas de reportagem da United Photo Press estiveram presentes em todos os concertos e os internautas podem recordar os melhores momentos aqui: http://www.kulturiart.com/feeds/posts/default

As receitas do Turismo de Portugal na bilheteira dos concertos Allgarve Music revertem a favor de instituições de solidariedade social que actuam na região algarvia.